NOTICIAS DEL FESTIVAL DE TEATRO DE MÉRIDA: Editados los textos. El Festival y la Once. colección 'Ars Factum'. Moda sostenible

 

Editados los textos del 72º Festival de Mérida

La colección VdB Teatro de Mérida, editada por Éride Ediciones, continúa ampliando su catálogo con la incorporación de los textos de las producciones que forman parte de la 72ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Con estas nuevas publicaciones, la colección sigue consolidándose como un referente editorial para preservar la memoria escénica del certamen y acercar al público las versiones y dramaturgias que han dado vida a los clásicos sobre los escenarios del Festival. El director del Festival, Jesús Cimarro, ha presentado esta mañana la colección junto a su editor, Ángel Jiménez.

La colección VdB reúne versiones y textos originales de algunas de las obras representadas en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida desde 1933 hasta la actualidad, tanto en el Teatro Romano como en el resto de espacios arqueológicos que han acogido su programación. Se trata de un proyecto editorial que conserva el patrimonio dramático generado por el Festival y permite que los textos permanezcan vivos más allá de su representación escénica.

En esta edición se incorporan los textos correspondientes a prácticamente todos los espectáculos estrenados en el Teatro Romano. Ya están disponibles para su adquisición los volúmenes de Electra Jonda, Timón de Atenas, Bacanal, La comedia de la olla, Fedra, en los infiernos, El viaje de Edipo y Las 9 musas. El texto de Spartacus se encuentra actualmente en proceso de edición y se incorporará próximamente al catálogo, mientras que Cómicos de Roma no podrá formar parte de la colección al no disponer el Festival de los derechos editoriales de la obra original de David Mamet.

Las nuevas publicaciones reúnen las dramaturgias y versiones de autores y autoras que han reinterpretado el legado clásico desde miradas contemporáneas, entre ellos Juan Guerrero Zamora, Joaquín Hinojosa, Florián Recio, Yolanda Pallín, Luis García-Araus, Carlota Ferrer, Paco Bezerra, María Velasco y Carolina África, contribuyendo a enriquecer un catálogo que documenta la evolución artística del Festival y la permanente actualidad de los textos clásicos.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y la ONCE refuerzan su compromiso con una cultura accesible e inclusiva

El 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida continúa dando pasos para hacer de la cultura un espacio cada vez más accesible e inclusivo. Con ese objetivo, el certamen ha renovado este jueves su convenio de colaboración con la ONCE, una alianza que permitirá seguir desarrollando iniciativas destinadas a facilitar el acceso a las artes escénicas a las personas con ceguera o discapacidad visual grave y reforzar el carácter inclusivo del Festival.

El acuerdo ha sido suscrito por el director del Festival, Jesús Cimarro, y el director de la Agencia de la ONCE en Mérida, José Juan Vela, en un acto en el que además han asistido el director-gerente del Consorcio Patronato del Festival de Mérida, Pedro Blanco; la delegada de Accesibilidad Universal del Ayuntamiento de Mérida, Susana Fajardo; el director ejecutivo de Promoción Sociocultural, Artística y Deportiva de la ONCE, Ángel Luis Gómez; el jefe del Departamento de Promoción Cultural y Artística de la ONCE, Francisco Maldonado, y la responsable del Departamento de Servicios Sociales de la ONCE en Extremadura, Marta Checa.

Nueva máscara de la colección 'Ars Factum'

El 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida ha presentado hoy Presencias, la nueva máscara de la colección Ars Fatum, una obra creada por Terracota Mérida y el diseñador Samuel López-Lago que, por noveno año consecutivo, se incorpora a la identidad artística del certamen. La pieza rinde homenaje al público, auténtico protagonista de la historia del Festival, y simboliza la continuidad entre quienes llenaron el Teatro Romano en el pasado, quienes lo hacen en el presente y quienes seguirán haciéndolo en el futuro.

La presentación ha contado con la participación del director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Jesús Cimarro; el director-gerente del Consorcio Patronato del Festival, Pedro Blanco; el delegado de Turismo del Ayuntamiento de Mérida, Felipe González; el responsable de Terracota Mérida, Juan Manuel Pérez Vinagre, y el director de la pieza, Samuel López-Lago.

El Museo Nacional de Arte Romano se convierte en escenario de Micropaisajes, la propuesta de moda sostenible del Festival de Mérida

La colección, integrada en la programación paralela del 72.º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, ha reunido a trece diseñadoras y creadoras textiles de Extremadura y Portugal en una experiencia artística donde han dialogado moda, naturaleza, danza, música y teatro.

El Museo Nacional de Arte Romano de Mérida ha acogido esta noche la presentación de Micropaisajes, una de las propuestas más singulares de la programación paralela del 72.º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. La iniciativa ha convertido el espacio museístico en el escenario de una experiencia artística en la que la moda sostenible ha dialogado con la naturaleza, el patrimonio y las artes escénicas.

EXPOSICIONES: ODNODER, ESCULTOR, «ENTRE OÍZA Y OTEIZA», EN LA CASA DE VACAS

 

La muestra permanecerá abierta hasta el 24 de mayo.

“Soy Pablo Redondo Díez. Durante quince años compaginé la escultura con mi trabajo como arquitecto, hasta que el impulso creativo y la pasión por los materiales me llevaron a dedicarme plenamente a la escultura. Como arquitecto, formo parte del estudio Arquipablos; como escultor, firmo mis obras como ODNODER.”

Pablo Redondo Díez, conocido artísticamente como Odnoder (Redondo al revés), es un arquitecto y escultor español nacido en Málaga en 1964, afincado en Madrid. Formado en la Escuela Técnica de Arquitectura de Madrid, fusiona su formación técnica con la escultura, destacando por obras abstractas y orgánicas que buscan la máxima expresividad con el mínimo gesto, utilizando principalmente la madera, aunque incorpora acero, cerámica y bronce.

BAILANDO

EN LA CASA DE VACAS

Horario de lunes a domingo de 10h a 21h.

Odnoder ha titulado su Exposición "Entre Oíza y Oteiza", o sea, entre un arquitecto, como él, y un escultor que tanto le ha inspirado.

Del recogimiento a la celebración…

De la formalidad a la poesía…

De la física a la lírica…

BUENA ESPERANZA

“Entre Oíza y Oteiza” no es una simple exposición de homenaje, sino un ejercicio de filiación artística asumida con honestidad. Odnoder evita caer en la imitación literal y logra construir una voz propia a partir de dos influencias muy poderosas. Su trabajo destaca por la serenidad formal y por una depuración expresiva que, en algunos momentos, alcanza verdadera intensidad poética.

La muestra funciona especialmente bien cuando el escultor deja hablar a la materia y al silencio. Sus mejores piezas son aquellas donde la simplificación formal no deriva en frialdad, sino en emoción contenida. En cambio, algunas obras más explícitamente simbólicas pueden resultar algo reiterativas en su discurso espiritual y perder parte de la tensión experimental que caracteriza al conjunto.

Aun así, la exposición confirma a Odnoder como un escultor sólido y coherente, capaz de situarse en una tradición escultórica española de gran exigencia intelectual sin quedar subordinado a ella. La Casa de Vacas, con su luz serena y su carácter abierto dentro del Retiro, se convierte además en el escenario idóneo para una obra que invita a la contemplación pausada y al diálogo interior.

BUSCANDO LA LUZ

Nada más entrar en la sala, el visitante percibe una atmósfera de recogimiento. Las esculturas de Odnoder parecen surgir de un proceso de depuración extrema, como si cada pieza hubiera eliminado todo lo superfluo hasta quedarse únicamente con el gesto esencial. Hay figuras verticales, alargadas, casi totémicas, que evocan presencias humanas reducidas a una síntesis mínima. Otras piezas recuerdan arquitecturas imposibles, estructuras suspendidas entre el equilibrio y el vacío.

BUSCANDO LA LUZ (DETALLE)

La huella de Oteiza aparece en esa búsqueda de la desocupación espacial, en la voluntad de hacer del vacío un elemento activo de la escultura.

Por otro lado, la influencia de Sáenz de Oiza se advierte en el rigor constructivo de las piezas y en la conciencia arquitectónica del volumen. Odnoder no abandona nunca del todo al arquitecto que fue: sus esculturas poseen estructura, tensión interna y sentido espacial.

CAPILLA ASCENSIÓN

CENTRO

EL AMOR (II)

La relación histórica y creativa entre Oiza y Oteiza constituye, además, un referente explícito de la exposición. Ambos colaboraron en proyectos emblemáticos del siglo XX español, entendiendo la arquitectura y la escultura como disciplinas complementarias.

ESPERANZA

LA PASCUA

PAREJA

MUSEO PICASSO MÁLAGA: EL ALUMNADO DE LA ESAD INTERPRETARÁ "ALGORITMO ANTÍGONA"

 

Elena Asins. Antígona entra en la recta final y emplaza a una nueva cita con el arte performativo los días 27, 28, 29 y 30 de abril, en el Museo Picasso Málaga.

En esta ocasión será el alumnado de la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga (ESAD) el encargado de realizar una serie de performances, durante los citados días, en dos pases de 15 minutos cada uno, a las 12.00 y a las 13.00 h. Cada acción artística tendrá lugar en las salas temporales donde actualmente se exhibe la impresionante escultura de acero corten Antígona (2015), pieza final en la carrera de Elena Asins, quien trabajó en el ámbito del computer art cuando estaba en fase embrionaria, a finales de los sesenta.

La propuesta del alumnado de la ESAD ofrece un acercamiento a la obra de Elena Asins mediante la aplicación de la idea de “algoritmo” a la tragedia de Sófocles, Antígona. Es precisamente esta célebre historia la que inspiró a la artista -fallecida en 2015-, para concebir el que sería su último proyecto artístico, donde transformó el lenguaje en arquitectura visual, convocando el duelo, la desobediencia moral y la responsabilidad individual que definían el mito. Cabe resaltar, además, que Asins participó en los seminarios del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, y fue pionera en el uso de algoritmos y computación en el arte desde 1967. Esto le permitió desarrollar piezas en formatos bidimensionales, tridimensionales y audiovisuales.

Desde la ESAD instan al movimiento, la relación cuerpo-espacio y la palabra, que construyen acciones que encarnan la tensión entre norma y conciencia, orden y resistencia, presentes en la obra griega, generando imágenes vivas que dialogarán con la estructura geométrica y conceptual de la instalación Antígona de Asins, reforzando la reflexión sobre el mito que la artista exploró en su obra. La obra audiovisual Hemón (2015) –que también puede contemplarse en esta exposición temporal- será el soporte sonoro, que articulará el ritmo y la atmósfera de la intervención.
 
El público visitante esos días podrá disfrutar de estas acciones de manera gratuita con la adquisición de la entrada al Museo Picasso Málaga.

EXPOSICIÓN GRANDES VUELOS DE LA AVIACIÓN ESPAÑOLA

 

La Comunidad de Madrid, en la Real Casa de Correos, acoge hasta el próximo 24 de abril la exposición Centenario de los Grandes Vuelos de la Aviación Española, que conmemora algunas de las mayores gestas de la historia de la aeronáutica del país.

La Comunidad de Madrid se convierte estos días en un pequeño viaje en el tiempo para los amantes de la historia y la aviación. Hasta el 24 de abril puede visitarse la exposición Centenario de los Grandes Vuelos de la Aviación Española, una propuesta que invita a redescubrir algunas de las hazañas más sorprendentes —y a veces poco conocidas— de los pioneros del aire en España.

Más que una simple recopilación de fechas y datos, la muestra pone el foco en el espíritu aventurero de una época en la que volar todavía era un desafío lleno de incertidumbres. Uno de los grandes protagonistas es el histórico vuelo del hidroavión Plus Ultra, que en 2026 cumple cien años. Aquella travesía, que unió España con América del Sur cruzando el Atlántico, no solo supuso una proeza técnica, sino también un símbolo de conexión entre continentes en un momento en el que el mundo aún parecía enorme e inaccesible.

Pero la exposición no se queda ahí. También recupera otros episodios fascinantes de 1926, como la expedición de la Escuadrilla Elcano, que logró enlazar Madrid con Manila en una ruta larguísima y compleja para la época. A esto se suma la labor de la Patrulla Atlántida, clave en la apertura de rutas hacia Guinea, mostrando cómo estos vuelos no solo buscaban batir récords, sino también mejorar las comunicaciones y reforzar la presencia internacional de España.

En conjunto, la exposición ofrece una mirada cercana a una generación de aviadores que volaban con más intuición que tecnología, y cuya valentía ayudó a acortar distancias en un mundo que apenas empezaba a entender el potencial de la aviación. Una oportunidad interesante para asomarse a esa mezcla de riesgo, innovación y ambición que marcó los primeros grandes capítulos de la historia aérea española.

EXPOSICIÓN: LA CIENCIA DE MORTADELO Y FILEMÓN

 

El Instituto Cervantes de Bruselas, en colaboración con el CSIC, encara la recta final de la exposición «La ciencia de Mortadelo y Filemón», donde los visitantes conocen, a través de una selección de portadas, una ciencia cotidiana, torpe, exagerada y, a veces, absurda, mediante los recordados personajes del cómic de Francisco Ibáñez.

Esta exposición recorre las últimas décadas de la ciencia del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) con un guía inesperado: el ingenio mordaz de Francisco Ibáñez, creador de los inolvidables Mortadelo y Filemón.

A través de una selección de portadas conocerás una ciencia cotidiana, torpe, exagerada y, a veces, absurda. Pero ante todo una ciencia humana que, incluso caricaturizada, sigue siendo la herramienta más poderosa que tenemos para comprender y transformar nuestro mundo.

Ibáñez emplea su peculiar humor para explorar y retratar la relación entre ciencia, naturaleza y sociedad. Desde el deshielo de glaciares hasta las epidemias, pasando por las últimas innovaciones en producción agrícola, la ingeniería genética o incluso la preservación de comunidades indígenas, sus viñetas revelan la complejidad de investigar un mundo vivo y cambiante.

El CSIC investiga en estas mismas fronteras del conocimiento y estudia cómo proteger la biodiversidad, controlar la propagación de enfermedades o respetar el patrimonio natural. Se trata de una ciencia con sentido y compromiso que no solo observa el mundo, sino que busca comprenderlo para mejorarlo.

EXPOSICIÓN: Guercino y sus heroínas bíblicas

 

Del 16 de marzo al 14 de junio de 2026
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

El museo acoge una pequeña muestra con un selecto grupo de obras de Giovanni Francesco Barbieri (Cento, 1591–Bolonia, 1666), más conocido como Il Guercino, figura clave en el desarrollo de la pintura barroca del norte de Italia.

En torno a la obra maestra que el museo Thyssen posee de este artista, titulada Jesús y la samaritana en el pozo (hacia 1640–1641), se reúne una serie de pinturas clave para estudiar y mostrar al público cómo aborda el pintor la imagen de la mujer en los temas bíblicos, para lo que se cuenta, además, con préstamos de otras instituciones.

La exposición permite profundizar en la importancia de la representación de la figura femenina en la producción de temática religiosa del artista a través de obras en las que recrea determinados pasajes bíblicos en los que desempeña el papel protagonista, como Susana y los viejos (Madrid, Museo Nacional del Prado), La mujer adúltera (Londres, Dulwich Gallery) y Sansón y Dalila (Estrasburgo, Musée des Beaux Arts).

Esta selección de seis lienzos muestra su capacidad narrativa y su dominio del lenguaje gestual en composiciones donde la mujer encarna a distintas figuras bíblicas bajo la mirada personalísima del pintor.

Mujeres anónimas del Nuevo Testamento como la mujer de Samaria y la adúltera personifican en estas pinturas el modelo de mujer pecadora arrepentida.

Comparten la sala las escenas de Susana y los viejos, y Abraham repudia a Agar e Ismael en las que el pintor ha querido transmitir la inocencia de dos víctimas de situaciones injustas descritas en el Antiguo Testamento.

El último capítulo está dedicado a las consideradas femme fatale por la iconografía cristiana tradicional, y que Guercino rescata ahora para conferirles un nuevo papel. Dalila empuña las tijeras para cortar ella misma los cabellos de Sansón y su imagen es la de una heroína clásica mientras que, Salomé con la cabeza inclinada, no encarna aquí a la joven seductora, sino a una víctima sometida a los deseos de su madre según el relato bíblico.

MUSEOS: EL MPM VUELVE A OFRECER UNA JORNADA DE PUERTAS ABIERTAS PARA CELEBRAR EL DÍA DE ANDALUCÍA

 

El Museo Picasso Málaga, que celebra la vida y la obra de Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) en la ciudad que le vio nacer, se suma a la celebración del Día de Andalucía, este sábado 28 de febrero.

Y lo festeja, como cada año, con una jornada de puertas abiertas en las que la ciudadanía podrá visitar de manera gratuita el Museo durante su horario de apertura (actualmente, de 10 a 18 horas, acceso hasta las 17.30 h.). Y profundizar en la obra de este andaluz universal a través del recorrido permanente, Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra, una invitación a seguir algunos de los caminos creativos que el artista utilizó para entrelazar el cubismo, el clasicismo y otras etapas de su obra.

Aquí se muestran ciento cuarenta y cuatro obras distribuidas en secciones temáticas que abordan en profundidad momentos especialmente significativos de su carrera: desde su infancia (“La unidad del polifacético arte de Picasso”) hasta la revolución que supuso el cubismo (“Una armonía de ‘opuestos’: cubismo y clasicismo”), el periodo de entreguerras (“Un hervidero de creatividad”) o su intenso trabajo con la cerámica (“Vivir el pasado y el presente mediterráneos”), entre otras etapas picassianas.

En cuanto a las exposiciones temporales, continúa abierta al público Picasso Memoria y Deseo, muestra comisariada por el catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga Eugenio Carmona. A partir del óleo Estudio con cabeza de yeso (1925), la exposición explora la compleja relación entre las imágenes y las derivas del sujeto moderno. Y lo hace a través de la obra del propio Picasso y de sus contemporáneos, figuras clave como Giorgio de Chirico, Fernand Léger, Salvador Dalí, Jean Cocteau, Man Ray, Claude Cahun o René Magritte.

La otra muestra temporal se enmarca en el programa "Obra invitada del MPM" y homenajea la figura de Elena Asins (Madrid, 1940 — Azpíroz, Navarra, 2015), Premio Nacional de Artes Plásticas en 2011 y pionera del arte conceptual y computacional (“computer art”) en España. En Elena Asins. Antígona el Museo Picasso Málaga reúne dos de las obras del último ciclo creativo de esta artista: la escultura Antígona (2010-2015), culminación simbólica de su trayectoria construida a partir de los caracteres griegos del nombre de la heroína de Sófocles, “Αντιγόνη”, y la pieza audiovisual en blanco y negro de más de ocho horas de duración Hemón. Ambas pertenecen al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Además de las salas de exposición, los visitantes también podrán disfrutar de la belleza del Palacio de Buenavista, sede del MPM, un magnífico ejemplo de la arquitectura andaluza del siglo XVI en pleno centro histórico. Elementos renacentistas y mudéjares se mezclan en este edificio que en 1939 fue declarado Monumento Nacional. Bajo tierra les aguarda el yacimiento arqueológico, que alberga restos fenicios y romanos, así como estancias del antiguo palacio renacentista que muestran al visitante fragmentos de la historia de Málaga.

También será posible acercarse al punto Picasso y el grabado para ver de cerca el Tórculo Crommelynck y acercarse a las distintas técnicas de grabado empleadas por el artista. Otro espacio interesante y pedagógico del Museo es la Línea de vida, un recorrido biográfico, artístico e histórico que contextualiza las obras de Pablo Picasso expuestas en el Museo Picasso Málaga, situado en el patio cubierto del Museo.

MUSEOS: Turismo del Ayuntamiento de Madrid colabora con las Noches Thyssen con Uber

 

Visita gratuita los sábados de 21:00 a 23:00 horas

El pasado sábado 21 de febrero, Almudena Maíllo, concejal delegada de Turismo del Ayuntamiento de Madrid, y Evelio Acevedo, director gerente del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, han acudido a la exposición Hammershøi. El ojo que escucha, que por primera vez se abre de manera gratuita, de 21 a 23 horas, dentro de las Noches Thyssen con Uber, iniciativa con la que colabora, desde hace un mes, el Área Delegada de Turismo del Ayuntamiento de Madrid.

FOTOGRAFÍA: Cartagena, capital de la fotografía

 

FotoFest Cartagena 2026 irrumpe en el calendario cultural de la Región de Murcia como una nueva bienal dedicada a la fotografía documental en su sentido más amplio.

Entre enero y abril, la ciudad de Cartagena se transforma en un gran espacio expositivo con 14 muestras fotográficas que dialogan entre sí desde múltiples enfoques estéticos y conceptuales, consolidando a la ciudad portuaria como un referente del pensamiento visual contemporáneo. 

La ciudad portuaria se vuelca con la bienal FotoFest Cartagena con trece exposiciones de sala y una por las calles de la ciudad, de enero a abril.

Organizada por el Ayuntamiento de Cartagena, Fotofest Cartagena cuenta con la dirección artística del fotógrafo cartagenero Juan Manuel Díaz Burgos.

EXPOSICIONES: PUNTO DULCE, una exposición individual de Josep Maynou

 

Bombon y CRISIS presentan PUNTO DULCE, una exposición individual de Josep Maynou que inaugura el 15 de enero de 18:30 h a 20:30 h en Madera 33, Madrid.

Un “punto dulce” es cuando una vela está perfectamente alineada con el viento, cuando la pelota impacta en el lugar exacto de la raqueta, cuando el cuerpo se relaja y flota en el mar, cuando todos los sabores se equilibran en un bocado, o incluso cuando se encuentra una nata caducada entre las cosas de alguien que ya no está. Es un momento fugaz de estar plenamente bien, que desaparece para reaparecer más adelante de otra forma.

No existe una palabra que nombre con precisión la emoción de ese alineamiento súbito, y quizás por eso resulta tan especial. Pero si lo experimentamos, es como una mezcla de sorpresa, serenidad, plenitud, sintonía y nostalgia, como si se alcanzara brevemente una armonía entre nosotros y lo que nos rodea.

En esta exposición, Josep Maynou nos invita a esta pausa: a reconocer los pequeños puntos dulces que surgen en medio del movimiento. A través de objetos cotidianos, recuerdos familiares y gestos de humor, Maynou construye un paisaje íntimo donde lo frágil y lo doméstico se convierten en un lugar seguro para volver y encontrar ese punto dulce.

Josep Maynou (n. 1980, Barcelona)

El enfoque multidisciplinar de Josep Maynou es a la vez performativo y basado en el objeto. Su trabajo se articula como una forma de narración contemporánea: una visión ficticia de la vida cotidiana a través de ideas humorísticas que se expanden en sus obras. Sus esculturas ilustran esas ideas y sirven como utilería y escenario de la narración. Maynou utiliza materiales domésticos comunes y herramientas prácticas, a menudo descartadas u ocultas, para crear utensilios antropomorfos. Sus proyectos son escenarios para la acción que permiten, simultáneamente, la funcionalidad y el absurdo.

MUSEOS: PROGRAMACIÓN EXPOSITIVA DE FUNDACIÓN MAPFRE PARA EL AÑO 2026

 

Fundación MAPFRE ha anunciado su programación expositiva para el año 2026, en la que se presentarán trece muestras entre sus salas de Madrid y Barcelona.

En Madrid, como es habitual, comenzará el año con una muestra de pintura, centrada en el arte de finales del siglo XIX y principios del XX y con otra dedicada a una de las mujeres más relevantes en la historia de la fotografía del siglo XX: Helen Levitt.

Anders Zorn. Recorrer el mundo, recordar la tierra es la primera cita del año. Zorn (1860-1920) fue el más destacado artista sueco del período de entre siglos y se consolidó también, gracias a su virtuosismo técnico, como uno de los creadores con mayor prestigio en Europa y Estados Unidos.

La exposición ha sido organizada por Fundación MAPFRE, Madrid, y la Hamburger Kunsthalle, Hamburgo, en colaboración con el Zornmuseet, Mora, y el Nationalmuseum, Estocolmo.

De forma paralela, en las Salas del Paseo de Recoletos, podrá contemplarse la obra de Helen Levitt (Nueva York, 1913-2009) que, durante más de seis décadas, halló inspiración en la espontaneidad de la vida urbana. La artista se centró en la fotografía de calle y sintió una especial fascinación por los niños en sus juegos. También observó con agudeza a adultos y ancianos, captando con gran empatía y sensibilidad los gestos, movimientos y emociones de las personas, así como la complejidad, los miedos y las alegrías de la existencia.

A partir del 6 de junio, también en Madrid, se podrán contemplar las fotografías de Richard Avedon y Alejandro Cartagena.

Durante cinco años Richard Avedon (Nueva York, 1923-San Antonio, Texas, 2004) retrató a mineros, vaqueros, feriantes o vendedores, solos o en pequeños grupos, contra un fondo blanco con el fin de realzar sus rasgos, posturas y expresiones. El resultado fue una representación del territorio y sus pobladores que se diferenciaba notablemente de las imágenes tradicionales que idealizaban la leyenda del Oeste americano. La serie se convirtió en un referente en la historia del retrato fotográfico y en uno de los hitos de la carrera de su autor.

Ground Rules es el título de la retrospectiva de Alejandro Cartagena, que recorre más dos décadas de la prolífica carrera del reconocido fotógrafo nacido en 1977 en República Dominicana y afincado en México. El artista ha construido una obra que desafía el concepto tradicional del «momento decisivo», apostando por la serialidad y la multiplicidad de perspectivas para abordar las realidades complejas de México.

Los desconocidos del arte

Para finalizar el año, Fundación MAPFRE presentará dos exposiciones sobre temas poco explorados en la historiografía artística: una dedicada a las mujeres prerrafaelitas y otra a la relación entre artistas de vanguardia y autores con problemas de salud mental.

Prerrafaelismo: itinerarios femeninos (1850-1914) revisita el arte prerrafaelita surgido en Gran Bretaña a partir de 1948, con una mirada renovada al explorar la respuesta de las mujeres artistas a este nuevo y estimulante estilo, que surgió en contra del arte académico oficial y se mantuvo vigente hasta los primeros años del siglo XX.

La otra orilla de la vanguardia pone el foco en un capítulo del arte normalmente oculto pero que representa una de las páginas más interesantes de su historia: el diálogo que se establece entre la obra realizada por pacientes psiquiátricos con el arte de vanguardia.

La exposición se centra en la colección de Hans Prinzhorn, psiquiatra, historiador del arte, poeta y dibujante que trabajó durante un tiempo en el hospital psiquiátrico de la universidad de Heidelberg, donde coleccionó el trabajo de algunos de sus pacientes.

Además, en el ámbito de la fotografía, en sus salas del Paseo de Recoletos, la institución albergará Minor White, procedente del centro KBr.

FOTOGRAFÍA CLÁSICA, DE ARCHIVO Y EMERGENTE- KBr Fundación MAPFRE

La temporada del centro de fotografía KBr se inicia con las exposiciones Walker Evans. Now and Then y Pérez Siquier. Colecciones Fundación MAPFRE.

La primera de ellas propone una amplia revisión de la obra de Evans y su influencia en las generaciones de artistas posteriores. Esta muestra reúne fotografías y proyectos clave que recorren toda su trayectoria, desde los autorretratos de los años veinte hasta sus Polaroid de los setenta, junto con libros y publicaciones que reflejan su inagotable capacidad de observación.

Por su parte, la exposición dedicada a Pérez Siquier, reúne una relevante selección de obras del autor que conforman de algunas de sus series más emblemáticas, como La Chanca, Informalismos, La playa, Encuentros, Trampas para incautos y La Briseña.

Cofundador de la revista Aperture

La programación de verano tendrá como protagonistas a Minor White y Joaquín Tusquets de Cabirol.

Minor White (Mineápolis, 1908-1976) fue una figura clave en la fotografía estadounidense del siglo XX, no solo por su innovadora producción fotográfica, sino también por su papel como docente en instituciones de prestigio como la California School of Fine Arts, la George Eastman House y el MIT. Además, su trabajo editorial como cofundador, editor y director de la revista Aperture le situó en el epicentro del debate fotográfico estadounidense de la segunda mitad de siglo.

Dentro del programa de Fundación para la conservación y difusión de archivos fotográficos catalanes, se presentará la muestra Joaquín Tusquets de Cabirol. La forma elocuente un claro ejemplo de la recuperación del legado de un fotógrafo aficionado, pero de gran interés, que merece ser conocido, publicado y expuesto. Tras décadas de olvido, se presentan una selección de fondos procedentes de su archivo fotográfico —compuesto por cerca de mil copias y cuatro mil negativos realizados entre 1940 y 1960— con el objeto de poner de relieve la obra de este artista, en gran medida desconocida hasta el momento.

La programación del KBr finalizará el año con una exposición de la fotógrafa neerlandesa Dana Lixenberg y una nueva edición de KBr FLAMA.

Dana Lixenberg American Works, 1993-2025, se erige como la exposición más exhaustiva dedicada a esta artista en Europa. Reúne una selección de trabajos realizados en Estados Unidos desde 1993 hasta la actualidad y abarca tanto retratos de iconos culturales como imágenes de comunidades marginadas.

Exposición coproducida con la Maison européenne de la photographie, París.

De forma paralela, se podrá visitar una nueva ediciónn de KBr Flama’26 cuyo objetivo es dar a conocer a las nuevas generaciones de fotógrafos. El proyecto, que surge de la estrecha colaboración entre el centro de fotografía KBr Fundación MAPFRE y distintas instituciones comprometidas con la docencia y los estudios de fotografía en Barcelona, celebra en el año 2026 su sexta edición.

MUSEOS: Noches Thyssen, visita nocturna y gratuita al museo del Paseo del Arte

 

Todos los sábados la pinacoteca ofrece este plan cultural nocturno que permite contemplar gratuitamente sus exposiciones temporales entre las 21:00 y las 23:00 horas. Una oportunidad adicional para visitar muestras tan interesantes como Warhol, Pollock y otros espacios americanos o la instalación inmersiva John Akomfrah. Escuchando la lluvia toda la noche.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ofrece a los visitantes la posibilidad de visitar de manera gratuita las exposiciones temporales todos los sábados del año, en horario de 21:00 a 23:00 h. Las Noches Thyssen da nombre a esta iniciativa puesta en marcha por el museo para facilitar el acceso de todo tipo de públicos a sus salas de exposiciones de las plantas baja y -1.

Esta propuesta permite disfrutar al público de forma gratuita todos los sábados durante dos horas de exposiciones como la recién inaugurada Edgar Degas. En la sombrerería (hasta el 1 de marzo de 2026), dedicada al estudio técnico en torno a la obra de Edgar Degas En la sombrerería (1882), realizado con el mecenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson. 

También se suma a esta iniciativa la instalación inmersiva John Akomfrah. Escuchando la lluvia toda la noche (hasta el 8 de febrero de 2026); Picasso y Klee en la colección de Heinz Berggruen (hasta el 1 de febrero de 2026) que reúne una selección de cincuenta obras maestras de los artistas Pablo Picasso y Paul Klee, pertenecientes al archivo personal del marchante y coleccionista alemán Heinz Berggruen; así como la exposición Warhol, Pollock y otros espacios americanos (hasta 25 de enero de 2026), que presentará su obra junto a la de otros pintores del siglo XX que se replantearon problemas relacionados con las nuevas estrategias espaciales. 

EXPOSICIÓN EN EL MUSEO DEL PRADO: Juan Muñoz. Historias de arte

 

“Juan Muñoz. Historias de arte”: el diálogo del maestro de la escultura contemporánea con el arte clásico que le inspiró

HASTA EL 8 DE MARZO DE 2026 EN EL MUSEO DEL PRADO

Juan Muñoz (1953–2001), uno de los artistas españoles más influyentes del arte contemporáneo, ‘regresa’ al Museo Nacional del Prado, lugar de inspiración que visitaba con frecuencia. En su obra se aprecia una relación conceptual persistente con el arte y la arquitectura renacentista y barroca en su manera de abordar la perspectiva, la composición y la puesta en escena.

Comisariada por Vicente Todolí, quien fuera director de la Tate Modern (2003-2010), la exposición reúne -hasta el 8 de marzo de 2026 en las salas C y D del edificio Jerónimos y diferentes espacios del edificio Villanueva- instalaciones, esculturas, libros personales, gabinetes con pequeñas figuras, dibujos y grabados que revelan la profunda conexión que el artista mantuvo con los grandes maestros del Prado, como Velázquez y Goya, y con las tradiciones del Renacimiento, el Manierismo y el Barroco. A ese conjunto de obras se añaden las que el Prado ha permitido que salgan de esas salas de exposiciones temporales y se desarrollen más vivamente en algunas de la exposición permanente (sala 12/Velázquez y sala 28/Rubens), y en espacios como la escalera sur próxima a la entrada de Murillo o en la explanada de la puerta de Goya. La muestra cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid, a través de su Área de Cultura, Turismo y Deporte.

Con obras emblemáticas como The Prompter, Conversation Piece o The Nature of Visual Illusion, el recorrido propone una experiencia en la que el visitante se enfrenta a figuras silenciosas que parecen observarle desde un universo suspendido entre la ilusión y la realidad.

EL EXPRESIONISMO SE INSTALA EN MADRID

 Hay exposiciones que no solo se visitan: se viven.

Eso ocurre con Expresionismo. Un arte de cine, la nueva propuesta de la Fundación Canal que acaba de inaugurarse en Madrid y que estará abierta al público, con entrada gratuita, desde el 8 de octubre hasta el 4 de enero de 2026. En sus salas, el visitante no solo recorre un movimiento artístico; atraviesa una época marcada por el vértigo, la crisis y el deseo urgente de cambiarlo todo.

El expresionismo nació en un mundo que se tambaleaba. Europa se enfrentaba a los fantasmas de la industrialización, la guerra y el desencanto, y los artistas decidieron dejar de reproducir lo que veían para empezar a pintar lo que sentían. De ahí salieron figuras deformadas, paisajes imposibles, colores intensos y una estética que no buscaba agradar, sino conmover. Y si hubo un arte que abrazó esa revolución con entusiasmo, fue el cine.

La muestra reúne más de 150 piezas entre pinturas, esculturas, grabados y fragmentos de películas que dialogan entre sí como si siempre hubieran estado destinadas a encontrarse. Es fácil quedarse hipnotizado ante los trazos viscerales de Otto Dix o Käthe Kollwitz y, justo después, dejarse atrapar por la inquietante atmósfera de El gabinete del doctor Caligari o por la arquitectura futurista de Metrópolis. El resultado es un viaje sensorial que demuestra cómo las imágenes del lienzo y las de la gran pantalla se alimentaron mutuamente para contar historias que iban mucho más allá de lo visible.

La exposición se estructura en tres secciones que funcionan como estaciones en este recorrido emocional. 

“Ruptura / Liberación” nos sitúa en el estallido de un mundo que ya no soportaba sus propias normas. 

“Forma / Deformación” muestra cómo el arte se atreve a retorcer el cuerpo, la ciudad o la perspectiva para decir lo que las palabras no pueden. 

Y en “Sueño / Trauma” entramos de lleno en lo más profundo del subconsciente, en ese territorio de sombras donde el arte y el cine se convierten en espejo de nuestras pesadillas colectivas.

Lo más fascinante es cómo el cine tomó prestados los recursos del expresionismo para crear un lenguaje visual completamente nuevo: juegos de luces que parecen salidos de un cuadro, decorados angulosos que reflejan el caos interior, cámaras que se mueven como si fueran pinceles. En las salas de la Fundación Canal, 19 fragmentos cinematográficos y decenas de fotogramas se entrelazan con 76 obras plásticas para contar esa historia común.

Además, la experiencia no termina con la visita. Todos los lunes no festivos hay visitas guiadas gratuitas y a partir del 11 de octubre se ofrecen también talleres familiares, ideales para descubrir el expresionismo de una forma participativa y lúdica.

Más de un siglo después, el expresionismo sigue hablándonos con la misma fuerza que en sus orígenes. Quizá porque, en tiempos de incertidumbre, seguimos necesitando esas imágenes que no pretenden representar la realidad, sino interpretarla.

Expresionismo. Un arte de cine no es solo una exposición sobre un movimiento artístico: es una invitación a mirar el mundo con otros ojos, a dejar que el arte nos sacuda y, sobre todo, a entender por qué, a veces, las emociones más profundas encuentran su mejor expresión en la pantalla grande.