lunes, 8 de junio de 2026

MÚSICA: Las salas de Madrid en Vivo que han inspirado canciones, recopiladas en un mapa y una playlist

 


El periodista y divulgador musical Arturo Paniagua recopiló, con la ayuda de sus seguidores, todas las canciones que citan en sus letras bares, salas y locales de distinta índole.

A partir de su gran trabajo, hemos recopilado en una playlist, los temas en los que aparecen las salas de Madrid en Vivo.

La música en directo no solo se escucha; se vive, se respira y, muy a menudo, se escribe. 

Las salas de conciertos son el escenario donde nacen las historias y, a veces, las absolutas protagonistas de las canciones que marcan a fuego a toda una generación.

Así queda demostrado en el minucioso trabajo del periodista Arturo Paniagua, quien ha diseñado un mapa interactivo que recopila los bares y salas de música, a nivel nacional, que han inspirado algunos de los himnos más importantes de nuestro cancionero.

Una cartografía de la nostalgia y el ritmo donde Madrid, y de forma muy especial las salas de Madrid en Vivo, tienen un protagonismo especial. Por ello, han recopilado todas las canciones que citan a nuestras salas en esta playlist.

Si echamos un vistazo al mapa, es imposible no detenerse en el epicentro de la escena musical madrileña. Recorrer estas canciones es hacer una ruta por el patrimonio vivo de nuestra ciudad, ese que cada noche abre sus puertas para que la cultura siga latiendo.

Más que localizaciones: el alma de la ciudad

Para Madrid en Vivo, este mapa interactivo de Arturo Paniagua es mucho más que una curiosidad geográfica; es un reconocimiento al valor emocional, cultural e histórico de las salas de conciertos de la capital. Estos espacios no son meros continentes de eventos, sino catalizadores de vivencias que los artistas transforman en arte. Cada vez que una canción nombra a una de esas salas, está blindando su legado contra el paso del tiempo. 

 

CINE: La Sala Berlanga acoge el ciclo de Cine por Refugio con películas como “Todos Somos Gaza” o “Aminetu"

 


Del 16 al 20 de junio, en el marco del Día Mundial de las Personas Refugiadas, se desarrollará el Ciclo de Cine por Refugio, organizado por CEAR, Comisión Española de Ayuda al Refugiado dentro de su iniciativa ‘La Cultura. Tu Refugio’ y que podrá verse en la Sala Berlanga (Madrid).

A través de este ciclo solidario, CEAR busca trasladarnos a la situación de personas refugiadas de Palestina, Afganistán, Sudán o Sáhara Occidental, además de abordar la realidad de las personas LGTBIQA+, como parte del festival del Queer Cinema for Palestine.

CEAR busca generar concienciación y apoyo para los derechos humanos, la migración y el asilo usando el cine como herramienta de transformación social.

Con el Ciclo de Cine por Refugio se utilizará cada proyección para ofrecer un coloquio final a través del cual compartir con el público y comprender los motivos de huida, desde una mirada humana y cercana.

Los coloquios se desarrollarán tras las proyecciones y contarán con la directora, el director o miembros del equipo de la película, así como con personas expertas de CEAR. El objetivo es generar un espacio de diálogo y reflexión que permita contextualizar las historias y acercar la situación actual de las personas refugiadas.

EL PROGRAMA DEL CICLO

El ciclo comenzará el martes 16 de junio con la proyección de Todos somos Gaza, dirigida por Hernán Zin, quien asistirá al coloquio posterior de su documental, que sigue a un grupo de niños y niñas en su huida y en su lucha por la supervivencia tras el 7 de octubre de 2023. El miércoles 17 de junio se abordará la diversidad LGTBIQA+ y cómo muchas personas se ven aún obligadas a huir por este motivo, a través de una selección de cortos pertenecientes al Queer Cinema for Palestine y con la participación de Motasem A.D Abuharbid, ciudadano español y palestino, y un representante de COGAM. El jueves 18 de junio se podrá ver la película This Jungo Life, de David Fedele, que muestra la vida de jóvenes refugiados de Sudán y cómo tratan de sobrevivir en las calles de Marruecos a la espera de encontrar una oportunidad para llegar a Europa. El 19 de junio es el turno de Aminetu, de Lucía Muñoz, un docuthriller social que reflexiona sobre la historia del pueblo saharaui a través de la lucha de la activista saharaui Aminetu Haidar. Y, finalmente, el día 20 de junio, coincidiendo con el Día Mundial de las Personas Refugiadas, se proyectará Au revoir Kabul, realizada por Antonio Pampliega, que participará en el coloquio junto a la periodista Paloma del Río y la protagonista de la cinta Latifa para compartir cómo fue la huida de la selección femenina de baloncesto en silla de ruedas tras la toma del poder de los talibanes en agosto de 2021.


MUSEOS: EL MPM CELEBRA EL DÍA MUNDIAL DE TEJER EN PÚBLICO EN TORNO A "JOANA VASCONCELOS. TRANSFIGURACIÓN"

 

Uno de los rasgos más característicos de la obra de Joana Vasconcelos es el uso de técnicas artesanales tradicionalmente asociadas al espacio doméstico —crochet, bordado o trabajo textil—, que la artista traslada al territorio de la escultura y la instalación de gran formato. Por este motivo, el Museo Picasso Málaga ha organizado varias actividades con motivo del Día Mundial de Tejer en Público, que se celebrara en la mañana del sábado 13 de junio. Las actividades propuestas girarán en torno a la actual exposición temporal Joana Vasconcelos. Transfiguración, abierta al público hasta el 27 de septiembre en el MPM.


La primera actividad es una convocatoria para todas aquellas personas que quieran llevarse sus labores ese día al museo. Podrán entrar libremente –previa inscripción en educacion@mpicassom.org–, y disfrutar de una mañana creativa tejiendo de 10 a 14 h en el Jardín del Museo, que se convertirá en espacio de encuentro, fomentando el intercambio, la convivencia y la celebración de las técnicas textiles. La iniciativa está abierta a personas de todos los niveles, y el acceso se realizará por la Plaza de la Higuera (acceso por calle Alcazabilla).


Esa misma jornada están previstos dos talleres para adultos relacionados con el acto de tejer. 

Por un lado, el Taller de crochet en Joana Vasconcelos, impartido por la profesora Silvia Conejo, pensado para niveles principiantes. Por otro, el Taller de punto en Joana Vasconcelos, dirigido por la profesora María Hoyos y orientado igualmente a principiantes. Las plazas para los dos talleres son muy limitadas.
 
Ambos talleres tendrán lugar de 11 a 13 h, y para asistir las personas interesadas deberán inscribirse en la web del www.museopicassomalaga.org. La inscripción a ambos talleres incluye la participación y todos los materiales necesarios en cada uno de ellos.


viernes, 5 de junio de 2026

DANZA: Programa triple dedicado a Israel Galván en Centro Danza Matadero

 

Centro Danza Matadero, acoge este mes de junio un programa triple dedicado al bailaor y coreógrafo sevillano Israel Galván, una de las figuras más influyentes e innovadoras de la escena flamenca contemporánea. A través de tres espectáculos — La edad de oro (20º aniversario)Sevillanas solteras y Bailas, baby?—, este monográfico propone un recorrido por distintos momentos y líneas de investigación de un artista que ha redefinido los límites del flamenco, situándolo en diálogo constante con otros lenguajes escénicos y con el pensamiento contemporáneo.

Este tríptico de danza se abre con La edad de oro (5–7 de junio), una de las obras más emblemáticas del repertorio del artista, que celebra su vigésimo aniversario con un programa renovado por el cante de María Marín y la guitarra de Rafael Rodríguez. En esta pieza, Galván revisita el periodo histórico del flamenco comprendido entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, tradicionalmente considerado como su etapa de mayor esplendor, para plantear una relectura contemporánea de ese legado.

El monográfico continúa con Sevillanas solteras (12–14 de junio), una creación que se adentra en el flamenco desde una perspectiva personal. Partiendo de sus propios recuerdos —los concursos de sevillanas de su infancia donde el bailaor no lograba encajar─, Galván construye una pieza que cuestiona las normas sociales y coreográficas asociadas a este baile, en un escenario transformado en una caseta de feria. Con la participación de la charanga Los Sones de Olivares y la música de María Marín, el espectáculo despliega un universo híbrido donde conviven humor y experimentación.

Completa el tríptico la pieza para público familiar Bailas, baby? (13 de junio), una propuesta dirigida a espectadores de hasta cinco años y sus familias que muestra la dimensión más lúdica del trabajo de Galván. Concebida como una experiencia sensorial y participativa, la pieza invita a los más pequeños a compartir un espacio de juego donde el sonido, el movimiento y objetos cotidianos como un rastrillo, arena o diademas adquieren un protagonismo especial. A través de siete pares de calzado, el artista construye un paisaje sonoro accesible y estimulante para todos los públicos, donde la danza se convierte en una forma de comunicación primaria.


Israel Galván: un creador radical

Nacido en Sevilla en 1973, Israel Galván creció en el seno de una familia de bailaores, lo que marcó profundamente su formación. Desde muy joven estuvo vinculado al mundo del flamenco, participando en espectáculos y compañías donde adquirió un conocimiento sólido de la tradición. Su trayectoria pronto se orientó hacia la búsqueda de un lenguaje propio. Irrumpió como creador independiente a finales de los años noventa con obras que ya apuntaban a una ruptura con los códigos establecidos.

A lo largo de su carrera ha desarrollado un estilo inconfundible, caracterizado por la fragmentación del movimiento, la exploración rítmica extrema y una concepción del cuerpo como instrumento percusivo y expresivo en constante transformación. Su trabajo dialoga con disciplinas como la música contemporánea, el teatro, la performance y las artes visuales, generando propuestas escénicas de gran complejidad conceptual.

Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Metamorfosis, Arena, La curva, Lo real Fla.co.men, piezas que han sido presentadas en los principales teatros y festivales internacionales. Ha colaborado con artistas internacionales como Akram Khan, Mikhail Baryshnikov o Marlene Monteiro Freitas, entre otros, y ha recibido el Premio Nacional de Danza 2005, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, el Bessie Award for an Outstanding Production de New York y el National Dance Award for Exceptional Artistry de Reino Unido, además de varios Premios Max y el reciente Premio Talía 2026, entre otros reconocimientos. En 2016, recibe en Francia el título de Officier dans l’Ordre des Arts et des Lettres. 


viernes, 29 de mayo de 2026

NOTICIAS MUSICALES: LAIA ALCOLEA. ÁLVARO PEIRE. LOS GALGOS. SGAE LAB 2026

 

LAIA ALCOLEA presenta “PIEL” una pieza de pop de cámara

Laia Alcolea presenta PIEL, su nuevo single: una pieza de pop de cámara cruda y profundamente emocional, grabada completamente en directo junto a trío de cuerdas, piano, coro y voz. Sin producción añadida, la canción se sostiene en la interpretación pura, capturando cada matiz desde la honestidad más radical.

Grabado en La iglesia de los Remedios, un antiguo templo católico renacentista de la segunda mitad del siglo XVI, situado en la ciudad española de Guadalajara. PIEL es el adelanto del Ep que saldrá a finales de junio.

Compuesta y arreglada íntegramente por la propia artista, PIEL nace de un diálogo directo con su pasado. La obra toma como punto de partida la Toccata de Aram Khachaturian, una pieza clave en su formación como pianista en el conservatorio y, al mismo tiempo, uno de los recuerdos más intensos de su infancia. Durante esos años, marcados por malas experiencias de convivencia escolar, la música se convirtió en refugio y también en espejo emocional.


ÁLVARO PEIRE presenta el single TREN NOCTURNO

El primer single TREN NOCTURNO es una pieza neoclásica, dinámica, y con una melodía pegadiza compuesta para piano y cuerda con un ostinato de la mano izquierda del piano que se mantiene durante toda la pieza y que recuerda al traqueteo de un tren.

TREN NOCTURNO, como la novela de Martin Amis, explora la imposibilidad de comprender completamente el dolor humano, la desesperanza escondida bajo una vida aparentemente perfecta y el vacío existencial moderno.

El tren funciona como una metáfora de un viaje interno hacia las zonas oscuras de la conciencia, en una atmósfera nocturna, fría, donde coexiste el movimiento y la quietud de la introspección.

TREN NOCTURNO es el primer adelanto de su disco DESPUES DEL SILENCIO, una obra conceptual, de estilo NEOCLÁSICO MINIMALISTA, instrumentación de piano y cuerda con ligeros toques de electrónica en algunas piezas, donde cada composición toma como punto de partida una obra literaria, no para describirla, sino para explorar la emoción que contiene.


LOS GALGOS presentan el videoclip de La Raya"

Una alfombra roja lleva a un gran lienzo subido a un caballete como elemento central del videoclip. Progresivamente, gente de diverso aspecto se acerca y traza una raya en colores vivos. Gafas, bigotes postizos, boinas francesas…  representan de forma divertida a diferentes personajes de la sociedad. La escena cada vez se vuelve más frenética y acaba siendo una caótica fiesta llena de gente! Finalmente el vídeo culmina con un cuadro pintado de forma colectiva por todos los asistentes, el cual da lugar a la portada del single.

A tan sólo unas semanas del lanzamiento del álbum y su presentación en la sala El Sol de madrid, Los Galgos vuelven tan provocativos como siempre con su último single “La Raya”.

En esta ocasión nos topamos con una canción que cuenta la historia de cómo unos amigos acuden a un club de pintura artística en el que se mezcla gente tan diversa como el político o el obrero. A todos ellos los une su pasión por la pintura y más concretamente por la forma rectilínea que da título al single.


MADRID EN VIVO SGAE LAB 2026: Convocatoria para bandas abierta hasta el 24 de junio

El programa de formación para grupos emergentes promovido por Madrid en Vivo, Fundación SGAE y APLEM abre el plazo de inscripción de su tercera edición. Ofrecerá a las cuatro bandas seleccionadas: locales de ensayo, tutores profesionales, clases particulares, sesiones fotográficas, un concierto final en una sala y un cheque 300€ en Madrid Hifi.

Renovando su compromiso con la promoción de la escena musical de nuestra región, Madrid en Vivo -Asociación de Salas de Conciertos de Madrid-, Fundación SGAE -Fundación de la Sociedad General de Autores y Editores-, y APLEM -Asociación Profesional de Locales de Ensayo de Madrid- convocan la tercera edición del MADRID EN VIVO SGAE LAB, el programa de formación para bandas enfocado al crecimiento de la escena musical emergente de la Comunidad de Madrid. El proyecto se establece así como una iniciativa necesaria para alimentar la escena de nuestra región y mantener el hervidero de creatividad que la caracteriza.


BALLET NACIONAL DE ESPAÑA: vuelve al Teatro del Bosque con Dualia-Medea

 


El Teatro del Bosque de Móstoles acogerá dos funciones los días 30 y 31 de mayo que tendrán como protagonista a Dualia, coreografía firmada por Ángel Rojas y Carlos Rodríguez, y con música de José Nieto.

En palabras de los coreógrafos, esta obra aborda la danza española “respirando la juventud y frescura de los bailarines de esta generación rica en conocimientos, reflejándonos en los colores de las pinturas de Sorolla, buscando la complicidad del baile en pareja, interpretando la sensualidad de las miradas, de las caricias, de los besos, acordándonos de los grandes bailarines que ha dado nuestra tierra, para así intentar mostrar con latidos de castañuelas nuestro sentido y sentimiento”.

Dualia tuvo su estreno absoluto por el Ballet Nacional de España el 15 de marzo de 2007 en el Teatro de La Zarzuela de Madrid, bajo la dirección de José Antonio.

Un solo y una tragedia

El Ballet Nacional de España completa su programa con otras dos importantes coreografías: Segunda piel y Medea.

Segunda piel, un solo de Miguel Ángel Corbacho, está compuesto de tres sonatas que representan un recorrido a lo largo de su vida. En palabras del bailarín y coreógrafo: “La primera escenifica la fuerza de la juventud, los primeros años del bailarín que busca triunfar. La segunda expresa el paso del tiempo y su constante aprendizaje. En la tercera muestro la madurez del bailarín, la experiencia, el conocimiento, la evolución personal y artística”. Se trata de una historia llena de vivencias y sentimientos, como expresa Miguel Ángel Corbacho, “todos los cambios que he desarrollado a lo largo de la vida los llevo en la piel y es lo que me hacen ser lo que soy”.

Segunda piel tuvo su estreno absoluto el 16 y 18 de octubre de 2025 en el Teatro Real de Madrid (España).

El programa finaliza con la representación de la icónica Medea, uno de los mejores ballets teatralizados del flamenco. Su dramaturgia, escrita por Miguel Narros sobre la tragedia de Séneca, la música de Manolo Sanlúcar y la coreografía de José Granero, componen un espectáculo desgarrador, sin fisuras, un relato de amor, traición y venganza, cuyo valor artístico ha permanecido inalterable hasta hoy.

Esta emblemática obra del Maestro Granero, estrenada el 13 de julio de 1984 en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, es posiblemente el trabajo coreográfico más interpretado y reinterpretado de la historia de la danza española.

Las funciones de Medea tendrán en el papel principal a la bailarina Inmaculada Salomón.

Programa:

DUALIA-SEGUNDA PIEL-MEDEA

Ballet Nacional de España

Teatro del Bosque de Móstoles, Madrid

Sábado 30 de mayo de 2026, 20:00h.

Domingo 31 de mayo de 2026, 20:00h.


miércoles, 27 de mayo de 2026

EXPOSICIÓN: Por los caminos del mapa de la espiritualidad: el arte manuscrito armenio

 

Hasta el 21 de Junio de 2026

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA

MADRID

La exposición Por los caminos del mapa de la espiritualidad: el arte manuscrito armenio, organizada en la Biblioteca Nacional de España, constituye mucho más que una muestra de códices antiguos. Es, en realidad, una invitación a entrar en un universo visual donde la fe, la memoria y la belleza se entrelazan de forma inseparable.






Los manuscritos armenios expuestos sorprenden desde el primer momento por la intensidad de sus colores, la delicadeza de las miniaturas y la extraordinaria fuerza simbólica de sus imágenes. Cada página parece concebida no solo para ser leída, sino también contemplada como un espacio de meditación. El oro, los azules profundos, las formas geométricas y las figuras sagradas crean una atmósfera que oscila entre lo terrenal y lo espiritual.




Sin embargo, la exposición no exige necesariamente una mirada religiosa. Incluso para quienes no mantienen una relación cercana con la fe, estas obras poseen una capacidad singular de conmover y despertar preguntas. Las imágenes hablan de la necesidad humana de encontrar sentido, de preservar la memoria y de resistir al paso del tiempo mediante el arte.






Hay algo profundamente contemporáneo en estos manuscritos medievales. Frente a la velocidad y la saturación visual de nuestro tiempo, transmiten silencio, paciencia y concentración. Cada trazo recuerda el trabajo minucioso de escribas y miniaturistas que dedicaban meses, incluso años, a la creación de un solo libro. Esa lentitud artesanal termina convirtiéndose en una experiencia estética casi hipnótica para el visitante actual.

La muestra permite también descubrir la singularidad cultural de Armenia, un país situado entre Oriente y Occidente cuya historia ha estado marcada por invasiones, exilios y supervivencias. Los manuscritos funcionan así como refugios de identidad colectiva y como testimonio de una civilización que encontró en la escritura iluminada una forma de resistencia cultural.






Especialmente fascinante resulta comprobar cómo las imágenes combinan influencias bizantinas, persas y mediterráneas sin perder nunca una personalidad propia. Animales fantásticos, cruces ornamentales y escenas bíblicas adquieren una expresividad que trasciende lo puramente doctrinal para entrar en el territorio universal del símbolo y la imaginación.

Esta exposición ofrece una experiencia poco habitual: la posibilidad de contemplar libros que son al mismo tiempo obras de arte, objetos de devoción y fragmentos vivos de la historia humana. Creyentes o no, los visitantes pueden salir de ella con la sensación de haber recorrido un mapa interior, una geografía espiritual donde la belleza continúa siendo una forma de conocimiento.

EN DEFINITIVA…

Hay exposiciones de arte sacro que uno contempla desde fuera, casi como piezas arqueológicas. Pero en estos manuscritos armenios sucede algo distinto. La delicadeza de los trazos, el cuidado obsesivo de cada detalle, la paciencia que parece respirarse en cada miniatura… todo eso transmite una forma de sensibilidad humana muy profunda. Aunque uno no comparta la fe que originó esas imágenes, percibe la intensidad con la que fueron creadas.

Además, la espiritualidad que sugieren no resulta invasiva ni dogmática. Es más bien una invitación al silencio, a la contemplación. Como si las páginas estuvieran hechas para ralentizar la mirada. Y eso hoy produce un efecto muy poderoso.

También creo que conmueve porque esas imágenes nacen de una necesidad humana universal: dejar algo hermoso frente a la fragilidad del tiempo. Hay una mezcla de vulnerabilidad y resistencia en esos manuscritos que llega incluso a quien se siente lejos de cualquier religión.