NOVEDADES MUSICALES: JUAN SAÍZ. EL TURU. SÁHARA

 

Juan Saiz presenta el videoclip de «Los zapatos rotos y los puerros de Voto»

"Los zapatos rotos y los puerros de Voto" es el nuevo videoclip de TAÑEDOR, el proyecto en el que reinterpretamos la música tradicional cántabra desde una mirada contemporánea. Este tema, basado en una melodía popular de la Junta de Voto, pone en el centro la danza tradicional y el baile de los Puerros de Voto, conectando música, cuerpo y tradición en una propuesta actual.

Su nuevo disco Tañedor verá la luz el día 9 de abril.

“Los zapatos rotos y los puerros de Voto” es un tema profundamente ligado al valle de Aras, lugar de raíces familiares de Juan Saiz, donde la música tradicional sigue viva como parte del paisaje y la memoria colectiva.

El tema está dedicado a Ramón “el ciego”, músico tradicional que tocaba el clarinete y el saxofón, y cuya figura fue clave en la transmisión de esta música. El saxofón, protagonista en el arreglo, funciona aquí como un puente entre generaciones.

Con este trabajo, TAÑEDOR continúa explorando la música de raíz desde una mirada personal.

Han participado en el videoclip:

Músicos

Soltxu – voz y pandereta / Vanesa Fernández – voz y pandereta / Cristina Ceballos – voz / Jaime Velasco – guitarra / Natxo Miralles – batería y percusiones / Mario Capodicasa – bajo eléctrico / Juan Saiz – arreglos, producción, saxo

Grupo de danzas Virgen de Palacios

El Grupo de Danzas Virgen de Palacios (Voto, Cantabria) trabaja desde el año 2000 en la conservación y difusión del folclore local, manteniendo vivas danzas tradicionales como el baile de los Puerros de Voto, eje central de este videoclip.

El Turu lanza “Grito de paz”, un himno contra la guerra en pleno clima de tensión mundial

“Sueña con un mañana donde los besos ganen batallas”: una canción que recupera el espíritu del histórico “No a la guerra”.

En un momento marcado por conflictos armados y tensiones internacionales, el cantautor madrileño El Turu presenta “Grito de paz”, una canción concebida como un himno musical que invita a reflexionar sobre la guerra y a promover una cultura de paz.

Producida por Pedro Pimentel, la canción combina raíz flamenca y sensibilidad pop en una construcción sonora que crece de lo íntimo a lo colectivo. La guitarra española, la percusión orgánica, el violín y el bajo conducen a un crescendo que desemboca en un final coral con voces gospel y coros infantiles, evocando la emoción de los grandes himnos humanistas de la música popular, en la línea de clásicos como Heal the World de Michael Jackson.

En el corazón del tema aparece una imagen que resume su mensaje: “Sueña con un mañana donde los besos ganen batallas.”

La propuesta se inscribe en la tradición de la canción de autor con vocación social, pero evita el discurso político directo para centrarse en una idea simple y universal: que la paz comienza en la conciencia de las personas.

“Que el eco de este canto llegue a todo el universo como un grito de paz”

SÁHARA, es el nuevo sencillo de la cantante y compositora hispano-saharaui Suilma Aali

Es un tema que nace de la necesidad de manifestar su posición frente al conflicto injustamente inconcluso existente en el Sáhara Occidental y conmemora el 50° Aniversario de la RASD (República Árabe Saharaui Democrática) que se cumple este año

Para su autora era algo personal pendiente, publicar esta canción que es un canto a la esperanza y a la resistencia del pueblo saharaui, a su lucha, resiliencia y dignidad ante la ocupación ilegal de su territorio.

Inspirado musicalmente en la fuerza de las guitarras del blues del desierto y en los ritmos africanos, Suilma Aali fusiona estos elementos con sus características melodías mestizas y otros elementos de su diverso universo musical.

Producido por Nico Roca, la propia autora y Javi Sobrino, grabado en The GrooveShip Music Studio.

Mezclado y masterizado por Carri Rubio.

LIBROS: Elena Blasco: Sobrelilir con dignifá es lo que hace fá

 

 

“Todo es de color”, uno de los himnos de Lole y Manuel, bien podría aplicarse a la obra de Elena Blasco (Madrid, 1950), una de las artistas más singulares y versátiles del arte contemporáneo español, que explora los límites entre la pintura, la escultura, la instalación y el objeto artístico.

Desplegando la misma mirada irónica, crítica y profundamente personal que aplica a su obra, en Sobrelilir con dignifá es lo que hace fá —volumen editado por La Fábrica dentro de la colección Blow Up—, la artista se adentra en esta ocasión en el mundo de la escritura con una serie de textos que se leen de un tirón, en los que vuelca una visión de la vida tan luminosa como surrealista, tan naíf como por momentos descacharrante.

La creatividad de Elena Blasco le lleva a inventarse palabras como las que dan título al volumen y a esbozar situaciones que parten de sucesos reales para elevarse hacia lo fantástico, por medio de un lenguaje visual cargado de humor, provocación y referencias a la cultura popular que nos deja un innegable poso de optimismo y de alegría de vivir.

Presentación del libro

 

8 de abril a las 19.00 h Librería La Fábrica c/ Verónica, 13. Madrid

 

Con: Elena Blasco, artista, Luis Valverde, director de la galería Espacio Mínimo, y Camino Brasa, directora editorial de La Fábrica.

 

LIBROS: Koldo Chamorro. Cruz, rito y una España incómoda

 

El Santo Christo Ibérico

Koldo Chamorro

Una serie clave en la fotografía documental española.

Imágenes directas que sitúan la cruz en el centro de una narrativa visual intensa, donde tradición y símbolo se entrelazan.

Entre los años setenta y ochenta, Koldo Chamorro documenta un país en transformación, fijando un imaginario a punto de desaparecer. Su mirada, cercana a lo antropológico, recorre tanto el mundo rural como el urbano en los últimos años del franquismo.

En ‘El Santo Christo Ibérico’, la cruz se convierte en el eje central de una narrativa visual: un símbolo que atraviesa paisajes, cuerpos y rituales, revelando las contradicciones de una sociedad entre la modernidad y un paisaje aun profundamente ancestral.

Formado tras una beca Castellblanch que le permitió trabajar con figuras como Ansel Adams, Brassaï o Ernst Haas, Chamorro desarrolló una obra centrada en los ritos y símbolos españoles desde una perspectiva etnográfica.

Una pieza imprescindible para entender la identidad visual de España.

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA: lleva Afanador de gira al emblemático Teatro del Châtelet

 

HASTA EL 2 DE ABRIL

París, 27 de marzo de 2026.

París se rinde al talento español.

La compañía dirigida por Rubén Olmo aterrizó el viernes en el emblemático teatro parisino con una de sus producciones más vanguardistas, inspirada en la fotografía de Ruven Afanador.

Afanador es sinónimo de innovación en la Danza española.

Su gran éxito, en palabras de Rubén Olmo, director del Ballet Nacional de España, es su originalidad.

“Hasta hoy el público nunca había visto este tipo de espectáculo en la Danza española y en el Ballet Nacional de España”.

Los escenarios de Corea, Italia, Bélgica, Francia y, por supuesto España, han vibrado con las coreografías y la fuerza arrolladora de Afanador.

“El éxito de Afanador es su inspiración. Siempre nos inspiramos en escritores, poetas etc., pero nunca en un fotógrafo, en una sesión de fotos. Es algo innovador en el mundo de la danza”, ha explicado Olmo.

Con Afanador se quiere mostrar la mirada surrealista del fotógrafo Ruven Afanador sobre el flamenco a través del lenguaje de la danza, y atraer al espectador para que descubra un universo creado desde la fascinación y el deseo. Los aclamados trabajos del artista colombiano, Ángel gitano y Mil Besos han sido el punto de partida para crear este espectáculo en el que la Danza española se fusiona con la danza contemporánea logrando “ver el mundo del flamenco a través de una lente deformante, que es una lente que parte del sueño, del deseo, de la memoria”, según ha explicado Marcos Morau, responsable de la idea y de la dirección artística de Afanador.

Ruven Afanador congela el movimiento con toda la belleza y fuerza del arte español, Morau permite que esos mismos cuerpos vuelvan a moverse. Así puede mostrar la tensión entre la vitalidad y la inmovilidad, entre la mirada y el deseo. La paradoja de la fotografía se vuelve tangible: un medio que congela el movimiento, pero que es capaz de dar visibilidad a toda una corriente de vida. En Afanador, según las palabras de Morau “los cuerpos vuelven a moverse, no para imitar la fotografía, sino para comprender lo que yace dentro de esa quietud.”

La coreografía ha sido creada por el propio Marcos Morau, Lorena Nogal, Shay Partush, Jon López y Miguel Ángel Corbacho, asistente de dirección del Ballet Nacional de España. Grandes lazos, horcas y batas de cola acompañan la composición musical creada por Juan Cristobal Saavedra, con la colaboración especial de la cantante y compositora Maria Arnal. Este camino por unos mundos que bailan por las lindes de lo onírico, la muerte y la vida vienen de la mano del dramaturgo Roberto Fratini Serafide, el diseño audiovisual de Marc Salicrú y el diseño de iluminación de Bernat Jansà.

Afanador triunfa ininterrumpidamente desde que se estrenó en Sevilla (Teatro de la Maestranza) en 2023. Además de llenar escenarios nacionales como el Teatro Real, Teatro de la Zarzuela (Madrid), Teatro Mira (Pozuelo de Alarcón), Teatros del Canal (Madrid), Les Arts (Valencia), el Gran Teatre del Liceu (Barcelona) o Palacio de Festivales (Santander), también ha conseguido hacer lo mismo en escenarios internacionales como el Teatro Yelmaru-ro (Yeosu, Corea), Teatro GS Arts Center (Seúl, Corea), Teatro de la Ópera de Roma y Concertgebouw de Brujas, el Palais des Festivals et des Congrès de Cannes (Francia), la Maison de la Culture de Grenoble (Francia), y en Les Théâtres de Aix-en-Provence (Francia).

En 2025, Afanador conquistó al público y a la crítica, coronando el año con numerosos premios: cinco premios Max, dos premios Thalía o los premios de la crítica de Cataluña, entre otros. Todos ellos son una prueba clara de la admiración del público y de la crítica a este ballet.

EXPOSICIÓN: LA CIENCIA DE MORTADELO Y FILEMÓN

 

El Instituto Cervantes de Bruselas, en colaboración con el CSIC, encara la recta final de la exposición «La ciencia de Mortadelo y Filemón», donde los visitantes conocen, a través de una selección de portadas, una ciencia cotidiana, torpe, exagerada y, a veces, absurda, mediante los recordados personajes del cómic de Francisco Ibáñez.

Esta exposición recorre las últimas décadas de la ciencia del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) con un guía inesperado: el ingenio mordaz de Francisco Ibáñez, creador de los inolvidables Mortadelo y Filemón.

A través de una selección de portadas conocerás una ciencia cotidiana, torpe, exagerada y, a veces, absurda. Pero ante todo una ciencia humana que, incluso caricaturizada, sigue siendo la herramienta más poderosa que tenemos para comprender y transformar nuestro mundo.

Ibáñez emplea su peculiar humor para explorar y retratar la relación entre ciencia, naturaleza y sociedad. Desde el deshielo de glaciares hasta las epidemias, pasando por las últimas innovaciones en producción agrícola, la ingeniería genética o incluso la preservación de comunidades indígenas, sus viñetas revelan la complejidad de investigar un mundo vivo y cambiante.

El CSIC investiga en estas mismas fronteras del conocimiento y estudia cómo proteger la biodiversidad, controlar la propagación de enfermedades o respetar el patrimonio natural. Se trata de una ciencia con sentido y compromiso que no solo observa el mundo, sino que busca comprenderlo para mejorarlo.

TEATRO DE LA ZARZUELA: Anna Prohaska y Pierre-Laurent Aimard en el Ciclo de Lied

 

La soprano Anna Prohaska y el pianista Pierre-Laurent Aimard protagonizan un nuevo concierto del Ciclo de Lied del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y el Teatro de la Zarzuela, una de las programaciones más exquisitas de toda Europa dedicadas a la canción de concierto.

La cita tendrá lugar el lunes 30 de marzo a las 19:30 horas en el Teatro de la Zarzuela, en un recital que invita a adentrarse en uno de los universos más singulares y fascinantes del repertorio vocal.

Reconocida por su refinamiento interpretativo y elegida cantante del año en los Premios Opus Klassik de 2024, Anna Prohaska se ha consolidado como una de las grandes voces líricas del panorama internacional, con una fascinante trayectoria que abarca desde el Barroco hasta la creación contemporánea. Habitual de los principales escenarios del mundo, como la Staatsoper de Berlín, el Festival de Salzburgo o la Royal Opera House de Londres, la soprano destaca por su inteligencia musical y su capacidad para abordar repertorios de gran exigencia estilística.

A su lado, Pierre-Laurent Aimard, uno de los pianistas más influyentes de nuestro tiempo, despliega en este concierto una faceta menos habitual pero de enorme riqueza: la del pianista acompañante. Artista residente del CNDM en la temporada 25/26, su participación en este recital ofrece una oportunidad excepcional para apreciar su sensibilidad camerística y su profundo compromiso con el repertorio vocal.

Charles Ives: una constelación de canciones

El programa gira en torno a la figura de Charles Ives, uno de los creadores más inclasificables y visionarios del siglo XX, cuya obra desafía cualquier intento de categorización. Lejos de los convencionalismos, Ives desarrolló un lenguaje radicalmente libre, adelantándose a muchas de las innovaciones musicales que marcarían el devenir de la modernidad: la politonalidad, la superposición de planos sonoros o el uso expresivo de la disonancia forman parte de un universo creativo profundamente personal.

Este recital propone así una experiencia sonora poco habitual, en la que la diversidad de lenguajes, estilos y atmósferas configura una suerte de mosaico musical de extraordinaria riqueza. La combinación de la sensibilidad interpretativa de Anna Prohaska y la profundidad pianística de Pierre-Laurent Aimard convierte esta cita en una ocasión única para descubrir la capacidad de la canción para explorar nuevos territorios expresivos dentro de uno de los ciclos más prestigiosos del panorama europeo. 

MÚSICA: Muerdo presenta en España la gira "Volver a donde nacen las canciones"

 

El artista murciano Muerdo presenta en España su nueva gira acústica “Volver a donde nacen las canciones”, un formato íntimo que propone regresar al origen de su repertorio en un concierto en el que estará acompañado únicamente por un músico multiinstrumentista.

La gira tiene una particularidad: el repertorio ha sido elegido por el público, configurando un viaje emocional a través de las canciones más representativas de su trayectoria.

Tras cerrar la gira mundial de Sinvergüenza, con la que fue nominado a dos premios de la música en España, recibió el Cubadisco International Award 2025 y representó a España en el Latín Alternative Music Conference de Nueva York, Muerdo continúa consolidando su proyección internacional.

Con más de 500.000 oyentes mensuales en plataformas digitales, su propuesta artística se caracteriza por la combinación de poesía, raíz latinoamericana y sonoridades contemporáneas.

En los últimos años, el artista ha participado en algunos de los festivales más importantes de Hispanoamérica y ha actuado en escenarios emblemáticos como el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, el Teatro Colón de Bogotá o la Sala Apolo de Barcelona, además de su presencia en eventos como Cosquín Rock, Vive Latino o Lollapalooza.

Paralelamente, Muerdo trabaja en un proyecto musical junto al cantante y compositor Diego Guerrero, con quien ha publicado recientemente la reinterpretación del tango Cambalache.

Muerdo nos habla de su nueva gira

Hace unos meses, al terminar la gira Sinvergüenza, después de un año de gira maravillosa, pero también muy agotadora, y en un momento crítico por diferentes circunstancias, viví un punto de inflexión en el que empecé a plantearme mi relación con la música, mi relación con la música como modo de vida y como trabajo.

En este punto de inflexión empecé a plantearme cosas como el hecho de cómo darle coherencia a mi vida con mi trabajo y con el mensaje que quiero transmitir al mundo a través de mi música. También con el hecho de poner la música al servicio de mi vida y no mi vida al 100% al servicio de la música.

Empecé a plantearme darle coherencia a lo que pienso, lo que siento y lo que hago porque había estado años conflictuado con el hecho de presentarme en ciertos espacios o festivales masivos en los cuales todo el negocio que hay detrás no me representa ni tiene coherencia con mi obra.

En ese punto de inflexión decidí volver a donde nacen las canciones, volver a donde nacen las canciones en mi nueva gira; una gira planteada desde un punto más autogestionado, una gira que no pretende una expansión sino una reconexión con mi propio público y con mis canciones, con mi oficio, con mi manera de estar en el mundo.

Una gira de reconexión, una gira no para ganar público sino para conectar profundamente con el que ya tengo. Esta gira va a ser muy respetuosa con los espacios, muy respetuosa con la ética que hay detrás de cada escenario y de cada festival. Una gira que ensalza lo pequeño como manera de ir a contracorriente del mundo en que vivimos.