viernes, 17 de julio de 2026

NOTICIAS MUSICALES: “LA ESTRELLA” DE ALBA CANTOS. PEDRO VILARROIG Y SU “THE ODYSSEY”. XERACH DICE "A DÓNDE VA EL AMOR QUE NO SE DA"

 

Alba Cantos presenta el videoclip LA ESTRELLA

“La Estrella” el focus track de su nuevo EP "AL FILO" representa el momento en el que el deseo deja de ser una idea para convertirse en una dirección. El tema nace desde el anhelo de alcanzar aquello que parece lejano y que se quiere encontrar sin dejar atrás la propia procedencia ni el lugar desde el que se comienza. Entre intuición y ambición, se propone una forma de avanzar donde el objetivo deja de ser únicamente llegar y pasa también por sostener el camino.

“La Estrella” tiene la colaboración de Jim Morrisound, productor del EP “Al Filo” y Pablo Dios como director audiovisual.

Dentro del recorrido de “Al Filo”, “La Estrella” funciona como un punto de inflexión. El límite deja de ocupar el centro y aparece una nueva forma de mirar hacia adelante: la determinación.

“La Estrella” es un tema de pop alternativo con base electrónica y muestras de archivo flamenco, con una producción contemporánea y una narrativa de riesgo, decisión y disparo creativo.

El estribillo dialoga con el universo morentiano desde un anhelo de creación artística, conectando tradición y presente con un enfoque novedoso y rompedor, inspirado en el tema “Estrella” (1977), el icónico tango de Enrique Morente.


Pedro Vilarroig presenta “The Odyssey” un álbum compuesto por los poemas sinfónicos de LA ODISEA y HÉROES Y VILLANOS

Pedro Vilarroig presenta “The Odyssey” con el sello Cezzane. Un álbum integrado por dos poemas sinfónicos: “La Odisea”, propiamente dicha y un segundo poema sinfónico, “Héroes y Villanos”, ambos interpretados por la Orquesta Sinfónica de Bratislava bajo la dirección de David Hernando Rico. Las grabaciones se realizaron en mayo de 2016 y octubre de 2018, con remasterización actual de Javier Monteverde, 2026.

La coincidencia de este lanzamiento con la enorme expectación generada por la próxima película The Odyssey, dirigida por Christopher Nolan, devuelve a la actualidad uno de los grandes relatos fundacionales de la cultura occidental. Aunque ambas propuestas pertenecen a lenguajes artísticos distintos e independientes, comparten un mismo punto de partida: la extraordinaria capacidad del poema de Homero para seguir inspirando nuevas creaciones en pleno siglo XXI. Y si el nombre de La Odisea vuelve a ocupar titulares en todo el mundo gracias al cine, la publicación de este disco también recuerda que el legado de Homero sigue vivo en la música de concierto. Una demostración de que los grandes mitos continúan encontrando nuevas formas de emocionar y dialogar con el público contemporáneo.

Con una estética neotonal, remite de forma natural a los grandes compositores del siglo XIX y a los maestros de las bandas sonoras de las grandes producciones cinematográficas. Al igual que aquellos grandes compositores de cine, Vilarroig permanece absolutamente fiel a su imaginario sonoro y a su deseo de emocionar y comunicar. Su escritura, heredera del gran sinfonismo romántico del siglo XIX, se enriquece con una orquestación refinada y minuciosa, donde cada familia instrumental encuentra un equilibrio exquisito. El resultado es una música profundamente narrativa que apela directamente a la imaginación y a los sentidos del oyente.


Xerach presenta "A dónde va el amor que no se da"

¿Y si el amor no necesitara suceder para ser real? A dónde va el amor que no se da convierte el "casi" en un lugar. Xerach y Cuchilla Andante firman un pop luminoso sobre imaginar un futuro con alguien, bailando la posibilidad antes que el desenlace.

Entre sintetizadores brillantes, y una producción electrónica en ascenso, Canarias y Alicante unen euforia y nostalgia en un himno a esos amores que, sin llegar a darse, ya lo cambian todo. Nuevo adelanto de Tú me quieres, yo te adoro, el segundo disco de Xerach que verá la luz el 18 de septiembre.

Formada y becada en la prestigiosa Berklee College of Music, Xerach consolida así un proyecto artístico que combina riesgo creativo, solidez musical y una identidad propia cada vez más definida sobre el escenario.


LA MAR DE MÚSICAS: Comienza la 31 edición con la reina de África, Oumou Sangaré, y la exquisitez de Sílvia Pérez Cruz

 


El festival del Ayuntamiento de Cartagena arranca su programación musical, que incluye 45 conciertos hasta el 25 de julio, con Ecuador como país invitado

La Mar de Músicas, el festival organizado por el Ayuntamiento de Cartagena, arranca este viernes 17 de julio la programación de su 31ª edición dedicada a Ecuador con una jornada inaugural que reunirá a Sílvia Pérez Cruz, Oumou Sangaré, Gilsons, los artistas ecuatorianos Machaka y San Pedro Bonfín y los Milagros; así como la sesión de Ángel Carmona, que pondrá el broche final en el Castillo Árabe con una selección musical dedicada a la música brasileña. Toda la información y la venta de entradas está disponible en la web lamardemusicas.cartagena.es

La jornada arrancará a las 19:00 horas en el parque del CIM con el concierto de San Pedro Bonfim y los Milagros, una de las propuestas más originales de la nueva escena ecuatoriana.

Después, a las 20:00 horas la plaza del Ayuntamiento recibirá a Machaka, una de las voces emergentes de la nueva música latinoamericana. Su propuesta mezcla rap, electrónica y pop con ritmos andinos, boleros, cumbia o dub, una fusión que el propio artista define como “Ecuadorian sabrosura”. Ha ganado gran visibilidad con canciones como Milagro o Las +593, que conectan la cultura urbana con el imaginario popular ecuatoriano. Su música reivindica la identidad latinoamericana desde la pista de baile, combinando tradición, mestizaje sonoro y energía contemporánea, rindiendo tributo al Ecuador, su gente y su identidad, sin perder la esencia.

A las 21:30 horas el patio del antiguo CIM será el escenario que abrirá con la actuación de una de las grandes voces de la música africana, Oumou Sangaré. Considerada la reina del wassoulou y un símbolo de la música del continente. Desde Bamako, ha llevado al mundo un sonido profundamente enraizado en la tradición, lleno de fuerza, elegancia y verdad. Su voz, poderosa y emocional, ha trascendido fronteras convirtiéndose en un referente global.

Más allá de la música, es una figura clave en la defensa de los derechos de las mujeres y la dignidad social. Cada concierto suyo es una celebración intensa, donde tradición y modernidad se encuentran con naturalidad. En La Mar de Músicas ha dejado actuaciones inolvidables, construyendo un vínculo especial con el público. Su regreso al festival supone el reencuentro con una artista única, una leyenda viva de la música africana.

Ya a las 23:00 horas será el momento en el que la magia de La Mar de Músicas regrese al escenario del auditorio Paco Martín. El festival recibe a Sílvia Pérez posiblemente la artista que más veces ha actuado en La Mar de Músicas. Un festival que acoge a la creadora, recientemente ganaba el Goya a Mejor Canción Original por el documental Flores para Antonio, con nuevo disco; y tras la suspensión el año pasado por la lluvia de su concierto en Cartagena. La cantante será la encargada del concierto inaugural del festival. Lo hará con un espectáculo especial, acompañada por una decena de músicos de cuerda y viento sobre el escenario, y donde se festejará además los 30 años en la música de la catalana; 30 años en los que La Mar de Músicas la ha acompañado. Desde su primer álbum en solitario, 11 de noviembre (2012), ha publicado una decena de discos, entre trabajos de versiones y temas propios, en los que abraza desde el flamenco a la canción latinoamericana, pasando por el jazz, el fado o la música más experimental. Su música es un viaje marcado por el don de emocionar.

La artista regresa al certamen, del que ya es una de las artistas habituales, tras tener que paralizar por la lluvia su concierto la pasada edición junto a Salvador Sobral. Será una bonita manera de reencontrase con el público de Cartagena.

Después, la jornada concluirá en el Castillo Árabe con el trío brasileño Gilsons, una de las formaciones más destacadas de la nueva música de Brasil, son hijos y nietos de Gilberto Gil.  El proyecto nació en 2018 cuando los tres comenzaron a compartir composiciones que dialogaban con la tradición de la MPB, la samba y la música bahiana, pero también con el pop y el soul contemporáneo. Su álbum Pra Gente Acordar (2022) consolidó su proyección internacional con canciones como Várias Queixas, convertida en un éxito masivo en Brasil y en plataformas digitales. En su música conviven la herencia tropicalista, la cadencia de la música afro-bahiana y una sensibilidad generacional que conecta con la nueva escena brasileña. En directo, el trío despliega un sonido luminoso y sofisticado que prolonga la tradición familiar sin renunciar a una identidad propia.

La primera jornada concluirá con el periodista y divulgador musical Ángel Carmona, que pondrá el broche final a la noche con una sesión dedicada a la música brasileña. Se trata de una de las voces más reconocibles de la radio musical española. Desde hace más de dos décadas sus espacios radiofónicos son claves para descubrir nuevas escenas y tendencias musicales. Sus sesiones como dj recorren el soul, el funk, el hip hop, la electrónica y las músicas globales. En cabina, Carmona traslada el mismo espíritu curioso y ecléctico que ha convertido su programa en una referencia para varias generaciones de oyentes. En La Mar de Músicas nos hará bailar a ritmo de las músicas tendencias de Brasil.

LA MAR DE LETRAS

La sección literaria de La Mar de Músicas contará este viernes 17 de julio con e Retrogradaciones y La mujer que se avino. Un encuentro poético con Lara López y Marisa López Soria”. Lara López, escritora, periodista de RNE y una de las voces más reconocidas de la difusión cultural y musical en España, presenta Retrogradaciones, su nuevo libro de poemas. Conversará con Marisa López Soria, autora de una extensa trayectoria literaria y reciente poemario La mujer que se avino. Dos escritoras de sólida experiencia y personalidad creativa compartirán este viernes a las 11:30 horas desde el Palacio Consistorial sus miradas, acompañadas por el escritor y periodista, y jefe de Cultura y Sociedad de La Verdad, Manuel Madrid.


miércoles, 15 de julio de 2026

NOVELA: Polis y cacos, de Paloma Bravo

 

una novela sobre las heridas del colegio y su potente onda expansiva

POLIS Y CACOS, la nueva novela de la escritora Paloma Bravo, una historia contada a través de un narrador colectivo que, capa a capa, recupera el pasado de un grupo de compañeros de colegio, adentrándose también en su presente y explicando miedos, fracasos y sueños sin cumplir.

Muchos años después de dejar el colegio, Álex -la más guapa y retorcida de la clase- recopila los números de todos y crea un grupo de whatsapp con una propuesta desconcertante: quiere quedar para volver a jugar a polis y cacos. Ese grupo remueve heridas, despierta miedos y activa rencores. Algunos idealizan aquellos años de infancia porque el presente les pesa demasiado; otros aún sienten las cicatrices de un colegio privado donde ser diferente era una condena. Y luego están los que no están, los que no responden, los que faltan. ¿Qué fue de Ana y Santi? ¿Quién era realmente Jota? ¿Por qué Isa guarda silencio? Y Tomás... ¿sigue dando miedo?

Mientras el grupo grande, esa mayoría de la clase que no fue protagonista, pero sí cómplice, decide si se atreven a acudir a la cita, algunos se van reencontrando entre la cobardía y el humor. Así, el pasado los va alcanzando, implacable, y les devuelve los abusos y las etiquetas que marcaron sus vidas para siempre.

Uno de los temas principales de la novela es hasta qué punto las etiquetas de la infancia pueden condicionarnos la vida adulta. La autora aporta en el texto su visión sobre este posible lastre que puede acompañarnos tanto tiempo como le permitamos:

‘’Las etiquetas son siempre reduccionistas y solo reflejan una mirada parcial y ajena. Hay que sacudírselas a toda costa porque la herida no es destino, pero son muy pegajosas (…) Es liberador y estimulante empezar de cero, pero, si no se puede, hay que arrancarse la etiqueta que te está haciendo daño, aunque al quitártela te lleves algo de piel’’

la crueldad de los grupos del colegio: cómo etiquetan, excluyen o simplifican a los demás casi sin darse cuenta. Un retrato incómodo y afilado de casi todos los que hemos querido escapar de lo que fuimos y de cómo nos miraron en algún momento.

El objetivo de Paloma Bravo con la novela es que: ‘’Los lectores manden a tomar por culo sus traumas del colegio. Que pueda plantarse delante del espejo, mirarse a los ojos y decir ‘’vale, esto es lo que soy ahora, lo que he hecho con todas esas mierdas. Estoy en paz y mejor que voy a estar’’.

Sobre la autora

Paloma Bravo es autora de La novia de papá, Los cuentos del Koala, Solos, Las incorrectas, Una historia de amores y Sin filtros. Polis y cacos es su última novela publicada. Ha estrenado obras de teatro en Madrid y Nueva York, y Solos ha sido adaptada a la gran pantalla. Su estilo es irónico, conciso, directo, entre la verdad y la carcajada. Por debajo, siempre empatía, ternura y una profunda inteligencia.


NOTICIAS DEL FESTIVAL DE TEATRO DE MÉRIDA: Editados los textos. El Festival y la Once. colección 'Ars Factum'. Moda sostenible

 


Editados los textos del 72º Festival de Mérida

La colección VdB Teatro de Mérida, editada por Éride Ediciones, continúa ampliando su catálogo con la incorporación de los textos de las producciones que forman parte de la 72ª edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Con estas nuevas publicaciones, la colección sigue consolidándose como un referente editorial para preservar la memoria escénica del certamen y acercar al público las versiones y dramaturgias que han dado vida a los clásicos sobre los escenarios del Festival. El director del Festival, Jesús Cimarro, ha presentado esta mañana la colección junto a su editor, Ángel Jiménez.

La colección VdB reúne versiones y textos originales de algunas de las obras representadas en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida desde 1933 hasta la actualidad, tanto en el Teatro Romano como en el resto de espacios arqueológicos que han acogido su programación. Se trata de un proyecto editorial que conserva el patrimonio dramático generado por el Festival y permite que los textos permanezcan vivos más allá de su representación escénica.

En esta edición se incorporan los textos correspondientes a prácticamente todos los espectáculos estrenados en el Teatro Romano. Ya están disponibles para su adquisición los volúmenes de Electra Jonda, Timón de Atenas, Bacanal, La comedia de la olla, Fedra, en los infiernos, El viaje de Edipo y Las 9 musas. El texto de Spartacus se encuentra actualmente en proceso de edición y se incorporará próximamente al catálogo, mientras que Cómicos de Roma no podrá formar parte de la colección al no disponer el Festival de los derechos editoriales de la obra original de David Mamet.

Las nuevas publicaciones reúnen las dramaturgias y versiones de autores y autoras que han reinterpretado el legado clásico desde miradas contemporáneas, entre ellos Juan Guerrero Zamora, Joaquín Hinojosa, Florián Recio, Yolanda Pallín, Luis García-Araus, Carlota Ferrer, Paco Bezerra, María Velasco y Carolina África, contribuyendo a enriquecer un catálogo que documenta la evolución artística del Festival y la permanente actualidad de los textos clásicos.


El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y la ONCE refuerzan su compromiso con una cultura accesible e inclusiva

El 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida continúa dando pasos para hacer de la cultura un espacio cada vez más accesible e inclusivo. Con ese objetivo, el certamen ha renovado este jueves su convenio de colaboración con la ONCE, una alianza que permitirá seguir desarrollando iniciativas destinadas a facilitar el acceso a las artes escénicas a las personas con ceguera o discapacidad visual grave y reforzar el carácter inclusivo del Festival.

El acuerdo ha sido suscrito por el director del Festival, Jesús Cimarro, y el director de la Agencia de la ONCE en Mérida, José Juan Vela, en un acto en el que además han asistido el director-gerente del Consorcio Patronato del Festival de Mérida, Pedro Blanco; la delegada de Accesibilidad Universal del Ayuntamiento de Mérida, Susana Fajardo; el director ejecutivo de Promoción Sociocultural, Artística y Deportiva de la ONCE, Ángel Luis Gómez; el jefe del Departamento de Promoción Cultural y Artística de la ONCE, Francisco Maldonado, y la responsable del Departamento de Servicios Sociales de la ONCE en Extremadura, Marta Checa.


Nueva máscara de la colección 'Ars Factum'

El 72º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida ha presentado hoy Presencias, la nueva máscara de la colección Ars Fatum, una obra creada por Terracota Mérida y el diseñador Samuel López-Lago que, por noveno año consecutivo, se incorpora a la identidad artística del certamen. La pieza rinde homenaje al público, auténtico protagonista de la historia del Festival, y simboliza la continuidad entre quienes llenaron el Teatro Romano en el pasado, quienes lo hacen en el presente y quienes seguirán haciéndolo en el futuro.

La presentación ha contado con la participación del director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Jesús Cimarro; el director-gerente del Consorcio Patronato del Festival, Pedro Blanco; el delegado de Turismo del Ayuntamiento de Mérida, Felipe González; el responsable de Terracota Mérida, Juan Manuel Pérez Vinagre, y el director de la pieza, Samuel López-Lago.


El Museo Nacional de Arte Romano se convierte en escenario de Micropaisajes, la propuesta de moda sostenible del Festival de Mérida

La colección, integrada en la programación paralela del 72.º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, ha reunido a trece diseñadoras y creadoras textiles de Extremadura y Portugal en una experiencia artística donde han dialogado moda, naturaleza, danza, música y teatro.

El Museo Nacional de Arte Romano de Mérida ha acogido esta noche la presentación de Micropaisajes, una de las propuestas más singulares de la programación paralela del 72.º Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. La iniciativa ha convertido el espacio museístico en el escenario de una experiencia artística en la que la moda sostenible ha dialogado con la naturaleza, el patrimonio y las artes escénicas.


viernes, 10 de julio de 2026

BALLET NACIONAL DE ESPAÑA: programa doble: un estreno absoluto, Flamenco-Rock-Andaluz, y un clásico

 


El Ballet Nacional de España (BNE) presenta desde el 11 al 22 de julio en el Teatro de la Zarzuela un programa doble. La propuesta combina la recuperación de un clásico del repertorio de la compañía con un estreno absoluto que se inspira directamente en las raíces del rock andaluz.

La velada estará articulada en dos mitades diferenciadas. Mientras que la segunda parte se consagrará a la reposición de Medea, obra cumbre coreografiada por José Granero, la apertura correrá a cargo de Flamenco-Rock-Andaluz. Se trata de una suite flamenca inédita que redefine los límites del género.

Un puente entre el rock andaluz y la vanguardia flamenca

El origen de esta nueva creación se remonta a la infancia del director del Ballet Nacional de España, Rubén Olmo, para quien el rock andaluz forma parte de la banda sonora de su juventud: “El concepto de rock andaluz nació de la raíz flamenca y trasladó estructuras como la farruca, las alegrías o las bulerías al lenguaje del rock. Ese encuentro entre tradición y modernidad me inspiró a conectar con el público mediante una reinterpretación actual de este legado musical, vertebrando una nueva propuesta creativa con un sello exclusivamente femenino”.

Este espectáculo sonoro y conceptual fusiona tradición y vanguardia bajo la coreografía de Rafaela Carrasco, maestra en explorar nuevas tendencias sin perder la pureza de la raíz flamenca. Su experiencia y capacidad de mantener las raíces andaluzas, estando a la vez abierta a experimentar con nuevos lenguajes, hace de Flamenco-Rock-Andaluz una obra que no se puede etiquetar dancísticamente dentro de un solo estilo de danza concreto, sino que crea un estilo propio que se construye en el diálogo entre la dirección coreográfica y los cuerpos de los bailarines: “La creación del movimiento va sucediéndose según se desarrolla cada encuentro. Está vivo porque cada día suceden y surgen cosas nuevas”, afirma la coreógrafa.

No solo Flamenco-Rock-Andaluz crea su estilo propio, sino que lo hace con un equipo artístico y técnico amplio y compacto que funciona como un engranaje, aspecto que Carrasco ha sabido captar para dar forma a la coreografía: “El concepto de este proyecto parte de la fuerza del grupo como entidad y tenerlos cada día hace que todo cobre sentido”.

La música ocupa un lugar central en la obra y se convierte en uno de los principales motores de la creación. Ángeles Toledano lidera el cante y la adaptación musical, trasladando letras históricas del rock andaluz hacia nuevas texturas de flamenco eléctrico que dialogan con el movimiento y sostienen el desarrollo coreográfico.

El espacio escénico cobra vida gracias al diseño de iluminación de Gloria Montesinos, una de las figuras femeninas de referencia en las artes escénicas del país, para quien la iluminación es como un personaje principal más dentro de una obra: “La intención es que la luz no sea un mero acompañamiento, sino un elemento narrativo capaz de dialogar con la música y el movimiento”.

Por último, el diseño de vestuario corre a cargo de Belén de la Quintana, quien ha realizado un minucioso trabajo de ensamblaje y reciclaje creativo a partir de piezas históricas de los fondos del Ballet Nacional de España, dotándolas de una nueva vida sobre las tablas. A todo este proceso se le añade otro desafío: prácticamente todo el vestuario es negro, lo cual, según explica la diseñadora, “es el mayor reto que nos hemos encontrado ya que, para poder sacar luz y que no sea oscuro, hemos tenido que utilizar muchas texturas y diferentes materiales, y dejar ver mucha piel”.


La emoción del relato bailado

Medea es uno de los mejores ballets teatralizados del flamenco. Su dramaturgia, escrita por Miguel Narros sobre la tragedia de Séneca, la música de Manolo Sanlúcar y la coreografía de José Granero, componen un espectáculo desgarrador, sin fisuras, un relato de amor, traición y venganza, cuyo valor artístico ha permanecido inalterable hasta hoy. Galardonada con el Premio de la Crítica de Nueva York en 1988, es posiblemente el trabajo coreográfico más interpretado y reinterpretado de la historia de la danza española.

En el corazón de esta obra se encuentra la figura de José Granero, bailarín y coreógrafo español de origen argentino, considerado uno de los grandes referentes de la nueva composición coreográfica del baile español. Granero dotó a la danza de una extraordinaria capacidad narrativa y de una teatralidad que mantienen vivas sus creaciones y continúan guiando el camino a las nuevas generaciones de artistas.

El espíritu del Maestro pervive especialmente en quienes interpretaron sus obras y hoy transmiten su lenguaje a los nuevos bailarines. Maribel Gallardo, ex primera bailarina y actual maestra repetidora del Ballet Nacional de España, y Javier Palacios, bailarín y supervisor coreográfico, dirigen la preparación de Inmaculada Salomón y Matías López. La primera bailarina y el bailarín solista del BNE encarnan a Medea y Jasón en esta nueva interpretación de la icónica coreografía, que podrá verse en el Teatro de la Zarzuela durante el mes de julio.

Cada reposición, sin embargo, abre la posibilidad de descubrir una obra distinta. Para acercarse a Medea, Inmaculada Salomón ha querido desprenderse de las certezas adquiridas como bailarina y afrontar el personaje como una tabula rasa, un lienzo en blanco sobre el que recibir las enseñanzas de quienes conocen profundamente la coreografía. Solo después de ese proceso de escucha y aprendizaje incorpora su propia sensibilidad a la protagonista de la tragedia: “Para dar vida a un personaje como Medea, he decidido soltar a la ‘Inma bailarina’, abandonar todas esas seguridades que sabes que funcionan al bailar y convertirme en una esponja para absorber todo lo que me están enseñando. Después, podré aportar mi propio yo a la obra”.

La riqueza del personaje reside en la intensidad de su recorrido emocional. Medea ama, desea, sufre, se rebela y se venga. Es una mujer traicionada y despreciada, desconcertada ante el abandono y arrastrada hacia una decisión irreversible. “Es un personaje muy rico. Pasa por todas las emociones: amor, deseo, rabia, venganza, dolor… Me atrae todo de ella porque posee una enorme riqueza y complejidad”, explica Inmaculada Salomón.

Pero Medea no puede comprenderse sin Jasón, el hombre cuya traición desencadena la tragedia. Matías López asume un personaje especialmente significativo para él, pues fue precisamente esta obra de José Granero la que despertó su vocación por la danza. “Encarnar a Jasón supone una responsabilidad enorme. Interpretarlo ahora, sabiendo que me enamoré de la danza gracias a una obra tan emblemática, me impone. Pero, cuando dejas que todo fluya con naturalidad y te abandonas a la música, al personaje y a los pasos, surgen momentos idílicos que resultan imposibles de describir”.

Los días 11, 15, 16, 17, 19 y 21 de julio, Francisco Velasco, primer bailarín del Ballet Nacional de España, asumirá también el papel de Jasón y dará vida al hombre cuya traición desencadena el destino de Medea. La compañía contará, además, con las colaboraciones especiales de Currillo, en el papel de Creonte, y de Lupe Gómez, como Nodriza, figuras esenciales en el desarrollo dramático de la obra. Por su parte, Esther Jurado, primera bailarina del BNE, se adentrará los días 21 y 22 de julio en la complejidad emocional de Medea.

Con este programa, la dirección del Ballet Nacional de España consolida su línea de gestión que busca el equilibrio perfecto entre la preservación del patrimonio coreográfico y la apertura hacia las nuevas tendencias de la danza actual.


viernes, 3 de julio de 2026

Iryo incorpora la tecnología de seQura para máyor flexibilidad y fidelización de sus viajeros

 

iryo incorpora la tecnología de seQura para enriquecer la experiencia de compra de sus viajeros y abrir nuevas oportunidades de fidelización a largo plazo.

Desde el 1 de julio de 2026, los pasajeros de iryo podrán pagar sus billetes a plazos por primera vez desde su inicio de operaciones, con la posibilidad de dividir el coste de los trayectos en 3 meses sin intereses o fraccionar importes de hasta 3.000 € en 6 y 10 meses.

La incorporación de estas modalidades responde a una demanda creciente de flexibilidad en categorías como el ocio, los viajes y las experiencias. Su lanzamiento coincide con uno de los momentos de mayor actividad para la movilidad y el turismo en España, con un elevado volumen de desplazamientos previstos durante los próximos meses.

La liberalización ha atraído a millones de viajeros al tren, alcanzando casi 44 millones en 2025, según los últimos datos publicados por el Instituto Nacional de Estadística (INE), lo que supone prácticamente el doble que antes de la llegada de nuevos operadores. En ese contexto, iryo se ha consolidado como uno de los principales operadores de alta velocidad del país, con una cuota de entre el 23 y el 28% en todos los corredores. La incorporación de seQura supone un nuevo paso en su apuesta por seguir mejorando la experiencia del viajero antes, durante y después de la compra.

La colaboración con seQura refleja también una transformación más amplia del comercio. Durante años, las soluciones de pago se midieron por su capacidad para impulsar la conversión. Hoy evolucionan hacia infraestructuras que acompañan al consumidor mucho más allá del momento de pago, al tiempo que ayudan a las marcas a fortalecer el vínculo con sus clientes. De esta forma, el momento de compra deja de ser el final de una transacción para convertirse en el inicio de una relación más duradera.

"En iryo trabajamos continuamente para ofrecer una experiencia de viaje cada vez más cómoda, flexible y adaptada a las necesidades de nuestros clientes. Gracias a la colaboración con seQura, incorporamos una nueva alternativa de pago que facilita la planificación de los desplazamientos y permite a los viajeros gestionar sus compras con mayor libertad y tranquilidad”, afirma Fabrizio Favara, CEO de iryo.

"El pago a plazos es la primera funcionalidad visible, pero el objetivo va mucho más allá. Queremos ayudar a iryo a construir una relación más duradera con sus viajeros a través de una infraestructura que aporte más flexibilidad, control y beneficios", afirma David Bäckström, CEO de seQura.

Ambas compañías seguirán explorando oportunidades para generar mayor valor para los viajeros, desde experiencias y beneficios exclusivos hasta iniciativas orientadas a reforzar la fidelización y la recurrencia.


El Festival de Mérida y Centrowagen vuelven a colaborar en la 72ª edición del certamen

 


El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida y Centrowagen han renovado la colaboración que dio comienzo en la edición 69 con un nuevo acuerdo, por el cual Centrowagen volverá a ser el concesionario oficial del Festival y le cederá un vehículo durante los meses de celebración del mismo, concretamente, el modelo WOLKSWAGEN ID.BUZZ PRO LR.

El convenio ha sido oficializado con la presencia de Pedro Blanco, gerente del Consorcio Patronato Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida; Fernando Menaya, gerente de Centrowagen; Antonio Pérez, director comercial de Volkswagen Turismos y Comerciales; y Alejandra Castaño, responsable de Comunicación y Marketing.

Centrowagen continúa como concesionario oficial del Festival de Teatro Clásico de Mérida en su apuesta por la movilidad sostenible, la calidad, la cercanía al cliente y la apuesta por la calidad humana y profesional, al igual que el Festival. Además, ambas entidades también ponen de relieve el apoyo e impulso de la cultura en la ciudad de Mérida y en la región de Extremadura.