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miércoles, 27 de mayo de 2026

EXPOSICIÓN: Por los caminos del mapa de la espiritualidad: el arte manuscrito armenio

 

Hasta el 21 de Junio de 2026

BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA

MADRID

La exposición Por los caminos del mapa de la espiritualidad: el arte manuscrito armenio, organizada en la Biblioteca Nacional de España, constituye mucho más que una muestra de códices antiguos. Es, en realidad, una invitación a entrar en un universo visual donde la fe, la memoria y la belleza se entrelazan de forma inseparable.






Los manuscritos armenios expuestos sorprenden desde el primer momento por la intensidad de sus colores, la delicadeza de las miniaturas y la extraordinaria fuerza simbólica de sus imágenes. Cada página parece concebida no solo para ser leída, sino también contemplada como un espacio de meditación. El oro, los azules profundos, las formas geométricas y las figuras sagradas crean una atmósfera que oscila entre lo terrenal y lo espiritual.




Sin embargo, la exposición no exige necesariamente una mirada religiosa. Incluso para quienes no mantienen una relación cercana con la fe, estas obras poseen una capacidad singular de conmover y despertar preguntas. Las imágenes hablan de la necesidad humana de encontrar sentido, de preservar la memoria y de resistir al paso del tiempo mediante el arte.






Hay algo profundamente contemporáneo en estos manuscritos medievales. Frente a la velocidad y la saturación visual de nuestro tiempo, transmiten silencio, paciencia y concentración. Cada trazo recuerda el trabajo minucioso de escribas y miniaturistas que dedicaban meses, incluso años, a la creación de un solo libro. Esa lentitud artesanal termina convirtiéndose en una experiencia estética casi hipnótica para el visitante actual.

La muestra permite también descubrir la singularidad cultural de Armenia, un país situado entre Oriente y Occidente cuya historia ha estado marcada por invasiones, exilios y supervivencias. Los manuscritos funcionan así como refugios de identidad colectiva y como testimonio de una civilización que encontró en la escritura iluminada una forma de resistencia cultural.






Especialmente fascinante resulta comprobar cómo las imágenes combinan influencias bizantinas, persas y mediterráneas sin perder nunca una personalidad propia. Animales fantásticos, cruces ornamentales y escenas bíblicas adquieren una expresividad que trasciende lo puramente doctrinal para entrar en el territorio universal del símbolo y la imaginación.

Esta exposición ofrece una experiencia poco habitual: la posibilidad de contemplar libros que son al mismo tiempo obras de arte, objetos de devoción y fragmentos vivos de la historia humana. Creyentes o no, los visitantes pueden salir de ella con la sensación de haber recorrido un mapa interior, una geografía espiritual donde la belleza continúa siendo una forma de conocimiento.

EN DEFINITIVA…

Hay exposiciones de arte sacro que uno contempla desde fuera, casi como piezas arqueológicas. Pero en estos manuscritos armenios sucede algo distinto. La delicadeza de los trazos, el cuidado obsesivo de cada detalle, la paciencia que parece respirarse en cada miniatura… todo eso transmite una forma de sensibilidad humana muy profunda. Aunque uno no comparta la fe que originó esas imágenes, percibe la intensidad con la que fueron creadas.

Además, la espiritualidad que sugieren no resulta invasiva ni dogmática. Es más bien una invitación al silencio, a la contemplación. Como si las páginas estuvieran hechas para ralentizar la mirada. Y eso hoy produce un efecto muy poderoso.

También creo que conmueve porque esas imágenes nacen de una necesidad humana universal: dejar algo hermoso frente a la fragilidad del tiempo. Hay una mezcla de vulnerabilidad y resistencia en esos manuscritos que llega incluso a quien se siente lejos de cualquier religión.




viernes, 22 de mayo de 2026

MUSEO THYSSEN: "Gaza, donde la vida resiste"

 


Del 18 de mayo al 14 de junio de 2026

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y UNRWA España, la Agencia de Naciones Unidas para la Población Refugiada de Palestina, presentan la exposición Gaza, donde la vida resiste, una muestra que recoge la mirada de un fotógrafo gazatí integrante del equipo local de UNRWA en la franja de Gaza. Es la segunda colaboración entre el museo y la agencia tras Gaza a través de sus ojos, abierta en otoño de 2025.

Por motivos de seguridad, el autor de estas fotografías ha decidido permanecer en el anonimato, una circunstancia que evidencia las condiciones extremas en las que han sido captadas las imágenes y refuerza el valor de este testimonio visual único.




La exposición reúne diez retratos contemporáneos de niños, niñas, mujeres y hombres palestinos supervivientes de la ofensiva israelí. Cada retrato se presenta junto a la fotografía de un objeto personal, generando una composición que revela cómo elementos cotidianos adquieren un significado extraordinario en un contexto de devastación. 

Esta actividad se enmarca en el programa “Cultura Viva X Palestina y UNRWA”, una iniciativa impulsada por UNRWA España para apoyar a Palestina a través de la cultura. Del 18 al 23 de mayo, el programa reúne en Madrid una agenda de eventos que incluye música, cine y arte.


viernes, 8 de mayo de 2026

EXPOSICIONES: L’anima non finita

 


“Como en la propia vida, “L’anima non finita”, no concede un recorrido fácil, porque es posible que allí, la gratuita complacencia no encuentre asidero alguno. La piel es génesis y la única voz que vertebra el trabajo en esta exposición, porque herencias ni modas tienen cabida cuando las mochilas son presente y espejo. Mientras el contexto hace que el hombre se aleje del hombre, las venas de esta muestra están recorridas por una tecnología cada vez más ultrajada: aquella que el oxígeno del alma es capaz de concebir.” LIDÓ RICO

La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid ha inaugurado L’anima non finita, una amplia exposición dedicada al artista contemporáneo Lidó Rico que reúne más de cincuenta obras realizadas a lo largo de casi cuatro décadas de trayectoria.




La muestra, comisariada por Míriam Huescar y abierta ya al público, propone una inmersión en uno de los lenguajes más singulares del arte contemporáneo español, articulado en torno al cuerpo como materia, huella y espacio de pensamiento.




El proyecto se configura como una cartografía del universo creativo del artista, trazando un recorrido que conecta sus primeras investigaciones —vinculadas al dibujo, la cera o el metal— con sus desarrollos más recientes, concebidos en estrecho diálogo con la arquitectura del espacio. Lejos de plantearse como una retrospectiva convencional, la exposición propone una lectura dinámica de su trayectoria, poniendo en relación procesos, materiales y preocupaciones que atraviesan toda su obra.




El recorrido expositivo se despliega en dos niveles claramente diferenciados que responden a distintas intensidades de experiencia. En la planta principal, una serie de núcleos temáticos organiza la visita, donde destacan dos instalaciones de gran escala que estructuran el espacio y activan una dimensión colectiva. Secadero de pensamientos funciona como un umbral simbólico: una multitud de cabezas suspendidas que, atravesadas por el tiempo y la acumulación de experiencias, configuran una imagen coral del pensamiento y la memoria. Por su parte, Murcia, piel y memoria se presenta como un extenso mural escultórico en el que la repetición y la fragmentación del cuerpo articulan un relato que entrelaza historia, identidad y representación.




La obra de Lidó Rico se define por una metodología radical basada en la inmersión directa del cuerpo en escayola, un procedimiento mediante el cual la huella física se transforma en materia artística. Este gesto, a la vez técnico y conceptual, no solo preserva la presencia del cuerpo, sino que lo convierte en un dispositivo de exploración que desborda lo estrictamente formal. A partir de esta operación, su trabajo construye un campo de tensiones entre lo visible y lo oculto, entre la presencia y la ausencia, donde cada pieza funciona como vestigio y construcción simultáneamente.




En este sentido, L’anima non finita plantea una reflexión sobre la identidad en el contexto contemporáneo, marcado por la inestabilidad y la negociación constante entre lo individual y lo colectivo. El cuerpo emerge aquí como un territorio simbólico, político y emocional, capaz de condensar conflictos, memorias y proyecciones. La exposición propone así un espacio en el que la experiencia estética se articula como una forma de conocimiento, abierta a la participación activa del espectador.




Con una trayectoria internacional consolidada, Lidó Rico ha desarrollado un lenguaje propio que lo sitúa como una figura clave del arte contemporáneo. Su obra forma parte de colecciones como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Instituto Valenciano de Arte Moderno o ARTIUM Museo Vasco de Arte Contemporáneo, entre otras instituciones.

La accesibilidad como experiencia artística

Además de su dimensión artística, la exposición incorpora un programa específico de mediación y accesibilidad impulsado por la Fundación para la Dinamización del Arte y la Cultura Lidó Rico (FUNDAC LIDÓ RICO), que sitúa la inclusión como eje fundamental de la experiencia.

Dirigido a personas con discapacidad visual, dificultades cognitivas y público infantil, el programa tiene como objetivo garantizar el acceso a la cultura en igualdad de condiciones, eliminar barreras físicas, sensoriales y cognitivas, y promover una experiencia artística más amplia, comprensible y compartida.

En este marco, obras como 'Murcia, piel y memoria' se conciben como espacios de experiencia sensorial y reflexión que invitan a una relación directa con el cuerpo y la materia, integrando recursos adaptados que permiten a distintos públicos, aproximarse desde sus propias capacidades y formas de percepción.

Este proyecto inclusivo, desarrollado en colaboración con la Fundación Lidó Rico, Blanca Spreafico López, Juan de Dios Moreno Moñino y TIBI ORBIS MUSEUM, reúne a un equipo multidisciplinar de especialistas en arte y accesibilidad universal que ha diseñado actuaciones y materiales específicos para la exposición.




La muestra, abierta ya al público, propone una inmersión en uno de los lenguajes más singulares del arte contemporáneo español, articulado en torno al cuerpo como materia, huella y espacio de pensamiento.




Podrá visitarse en la Sala Alcalá 31 (C/ Alcalá, 31, Madrid) del 8 al 31 de mayo de 2026, en horario de martes a sábado de 11:00 a 20:30 horas y domingos de 11:00 a 14:00 horas. La entrada es gratuita.



jueves, 19 de marzo de 2026

EXPOSICIÓN: «Historias tejidas» reúne a más de 41.100 personas en el Instituto Cervantes

 


La exposición «La mitad del mundo. La mujer en el México indígena. Historias tejidas», inaugurada el pasado 31 de octubre en la sede del Instituto Cervantes y que permite descubrir el papel esencial que las mujeres han desempeñado en las civilizaciones prehispánicas de México a través de una selección de textiles indígenas, ha albergado a un total de 41.110 visitantes.


Esta muestra echa el cierre este miércoles 18 de marzo con un encuentro a las 19 h bajo el título «Antes del silencio. Encuentro de poesía en lenguas originarias mexicanas», en el que tres poetas mexicanas compartirán su obra en lenguas originarias y reflexionarán sobre la tradición poética de los pueblos indígenas de México.
 
En el acto participarán Luis García Montero, director del Instituto Cervantes; Diana Domínguez, poeta y traductora; Lyz Sáenz, poeta; y Celerina Sánchez, poeta, y se podrá seguir en directo a través de la página web del Instituto Cervantes y de su canal de YouTube.
 
A lo largo de estos seis meses, el Instituto Cervantes ha celebrado también otras actividades en torno a la exposición, como la acción performativa del pasado 10 de marzo de la artista textil Victorina López Hilario, tejedora del pueblo amuzgo de Xochistlahuaca (Estado de Guerrero, México), reconocida por su labor en la preservación y difusión del arte textil tradicional.
 
Esta cifra es una de las más altas de los últimos años de las organizadas por el Instituto Cervantes, que desde marzo del año 2020, con la pandemia, programa gabinetes bibliográficos en el vestíbulo de la sede. Anteriormente, la exposición más vista fue «Amor al mar. Las caracolas de Neruda», inaugurada en diciembre de 2009 y que estuvo hasta febrero del año siguiente, con 33.459 visitantes.

El número de visitantes de esta muestra supera a la exposición «Ana María Matute. Quien no inventa no vive», inaugurada hace un año y medio también en la sede cervantina y que reunió a más de 26.000 visitantes, lo que supuso la cifra más alta desde el año 2010. También cerca de esos datos estuvo la exposición «La memoria. Viaje emocional por los cómics de Paco Roca», con más de 70 piezas del autor de Arrugas y que reunió en 2025 a más de 24.000 visitantes.





Proyecto conjunto

Esta muestra, comisariada por Karina Romero y que ha formado parte de un proyecto conjunto con el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Casa de México, ha reunido una selección de textiles indígenas procedentes del Museo Nacional de Antropología de México, piezas que revelan la conexión entre tejido, identidad y espiritualidad en los pueblos originarios.

Se ha organizado en torno a cuatro temas: «Atuendo femenino», «Instrumentos de escritura textil», «Enseñanza y aprendizaje» y «Narrativa textil». En el primero se aborda la continuidad de la indumentaria tradicional femenina, compuesta por el huipil, el quechquémitl y el cueitl o enredo. Estas prendas, elaboradas con diversas técnicas y materiales según la región, reflejan la identidad de cada comunidad. A lo largo del tiempo, las mujeres han incorporado también prendas de origen europeo o mestizo, como blusas o mantillas, generando un diálogo entre tradición y modernidad.

«Instrumentos de ‘escritura’» destaca los instrumentos utilizados en la elaboración textil. El huso o malacate, el telar de cintura y otros utensilios son herramientas de gran complejidad técnica, que requieren destreza y conocimiento. El tejido implica además saberes biológicos, matemáticos y químicos.

«Injusticia» con los pueblos originarios

En «Enseñanza y aprendizaje» se explica cómo el arte de hilar y tejer se transmite de generación en generación. Junto a la lengua materna, desde la infancia, las niñas aprenden mediante la observación y la práctica, bajo la guía de madres y abuelas. Con el tiempo, dominan la palabra, los patrones, los símbolos y las técnicas, convirtiéndose en portadoras de un conocimiento que es a la vez material y espiritual.

Por último, «Narrativa textil» muestra cómo los textiles son lienzos de transmisión y comunicación simbólica. En ellos las mujeres plasman historias personales, mitos, creencias y la cosmovisión de sus pueblos. Los motivos representados—geométricos, vegetales, animales o sagrados funcionan como un lenguaje visual que narra la vida cotidiana, los rituales y los vínculos con el universo. Así, cada tejido se convierte en un testimonio de la memoria colectiva y en una expresión artística que llega a nuestro presente.

En la inauguración, el ministro de Exteriores, José Manuel Albares, defendió las relaciones entre España y México, recordando la «historia muy humana de claroscuros y también de dolor e injusticia hacia los pueblos originarios». «Hubo injusticia, justo es reconocerlo hoy, y justo es lamentarlo, porque eso es parte de nuestra historia compartida y no podemos ni negarla, ni olvidarla», explicó entonces.


miércoles, 18 de febrero de 2026

EXPOSICIONES: Nereyda López con FIODO, su primera exposición individual, en Crisis Galería

 

Crisis Galería presenta FIODO, primera exposición individual de Nereyda López.

La muestra reúne esculturas y máscaras creadas a partir de semillas, fibras y cortezas recolectadas en los bosques de Pebas, un pueblo a orillas del río Amazonas, donde la artista vive y trabaja.

Su práctica, estrechamente vinculada a la vida comunitaria y a la relación con el entorno, activa relatos, mitos y presencias espirituales que conectan lo humano con lo invisible, el territorio y la memoria colectiva.

Miércoles 18 de febrero, 6–9pm

Hasta el 11 de abril2026

Jr. Alfonso Ugarte 260, Barranco

(LIMA)


jueves, 4 de diciembre de 2025

EXPOSICIÓN: MUSEO DEL PRADO. JUAN MUÑOZ. RELATO DE UN VISITANTE

 Entre los que callan


Entré al
Museo del Prado con la sensación de que algo estaba a punto de ocurrir. Ya en el exterior ves a esos ¿seres? ¿personas? que miran y se rien o se rien y miran a los visitantes, los esperan bajo la lluvia, el frío, el sol, el día, la noche... 

No sé si era el rumor de la exposición, o quizá esa ligera electricidad en el aire que precede a los encuentros importantes. Pero mientras subía las escaleras del edificio de los Jerónimos, tuve la clara intuición de que no iba solo.

La muestra de Juan Muñoz,(hasta el 8 del 3 de 2026) con más de un centenar largo de obras —esculturas, dibujos, instalaciones que parecen escenas arrancadas de un sueño inquieto— no se anunciaba con estridencia. Al contrario: se dejaba presentir. Como si la puerta que cruzaba no diera paso solo a una exposición, sino a un umbral.

Y entonces, allí estaban ellos.



No sé cuántas veces me ha pasado con Muñoz, pero nunca deja de sorprenderme esa sensación inmediata y casi física de presencia. Sus figuras no son simples esculturas: son habitantes. Incluso las que parecen más estáticas, más frágiles, más discretas… viven. Respiran. Observan. O desvían la mirada justo cuando tú intentas sostener la tuya.

La exposición —comisariada con ese tacto casi teatral que permite que las obras respiren y dialoguen— estaba organizada como un recorrido, sí, pero yo la viví como un encuentro tras otro. En cada sala me esperaba alguien. Esa es la palabra: alguien. No algo.



Uno de los primeros que vi estaba sentado, inclinado hacia un punto del suelo que no logré descifrar. Me acerqué despacio, como quien no quiere interrumpir una conversación que no oye. Sentí un nudo en la garganta. Ese cuerpo inmóvil parecía tener más historia dentro que muchas personas que he conocido. Y ahí estaba yo, intentando no hacer ruido, como si su concentración fuera tan frágil que un paso mal dado pudiera romperla.

Al avanzar, las figuras se multiplicaron. Algunas reían entre ellas —o eso parecía— con esas bocas que no abren, con esos ojos que no miran pero ven. Otras esperaban. Otras estaban atrapadas en balcones, en suelos que se ondulan, en espacios que la lógica niega pero la emoción reconoce como reales. Y yo… yo me sentía observado por seres que vivían en otro plano, uno en el que la soledad se convierte en arquitectura.



En uno de los pasillos del Prado, cerca de una pintura barroca cuyo dramatismo conocía de memoria, me crucé con una figura que parecía recién llegada de ese cuadro, como si hubiese decidido escaparse y ocupar su propio volumen. Fue entonces cuando sentí algo muy profundo: la certeza de que Muñoz no dialoga con el arte clásico por teoría, sino por parentesco. Sus criaturas podrían habitar cualquier siglo, cualquier escenario.

En ese instante tuve un pensamiento extraño y hermoso:
“Los que están aquí no son esculturas. Somos nosotros que somos los visitantes.”



Seguí avanzando. A veces me detenía frente a una obra, y era como si el tiempo se abriera ligeramente, dejando entrar algo que no sabría cómo nombrar. Otras veces era yo quien pasaba desapercibido: ellos hablaban entre sí sin necesitar mi presencia. De algún modo, yo no estaba viendo una exposición: me estaba asomando a una vida ajena.

Cuando salí de la última sala, sentí un vacío raro, como quien se despide de personas con las que ha compartido un silencio muy intenso. Un silencio cargado, lleno, casi cómplice.

Y mientras bajaba las escaleras del Prado, pensé en algo que no había sentido nunca tan claramente:
las obras de Juan Muñoz no representan seres humanos —los encarnan.



Por eso nos miran sin ojos. Por eso nos inquietan sin moverse. Por eso hablan sin sonido.
Porque ya están vivos.
Y tú, al verlos, solo descubres que llevaban mucho tiempo esperando. Esperándonos...




lunes, 17 de noviembre de 2025

92 SALÓN DE OTOÑO DE LA ASOCIACIÓN ESPAÑOLA DE PINTORES Y ESCULTORES

 



CASA DE VACAS (HASTA EL 23 DE NOVIEMBRE DE 2025)

PARQUE DEL BUEN RETIRO (MADRID)





92º Salón de Otoño de la Asociación Española de Pintores y Escultores

Aún quedan unos días para visitar el 92º Salón de Otoño, una de las citas más emblemáticas de la creación artística en España, que vuelve a llenar la Casa de Vacas del Retiro de Madrid con una muestra diversa, vibrante y profundamente representativa del latido cultural actual.

La exposición reúne obras que abarcan desde la figuración más depurada hasta los lenguajes conceptuales, pasando por nuevas expresiones plásticas y escultóricas que dialogan con los retos del siglo XXI.

Organizado por la Asociación Española de Pintores y Escultores (AEPE), el Salón de Otoño nació en 1920 como un gesto de rebeldía frente a las rígidas Exposiciones Nacionales de Bellas Artes. Aquella primera edición abrió las puertas a todas las tendencias y vanguardias del momento, y ese espíritu de amplitud y libertad creativa continúa siendo su esencia más de un siglo después.







El certamen sigue apostando por la convivencia de estilos, generaciones y sensibilidades, ofreciendo un espacio donde conviven artistas consagrados y nuevas voces que emergen con fuerza.






Este año, el Salón celebra su edición número 92 en un momento especialmente significativo: han pasado 105 años desde aquel impulso fundacional y, en ese tiempo, casi 40.000 artistas han expuesto sus obras bajo su paraguas. Por sus salas han pasado nombres fundamentales de la historia del arte español —de Picasso a Sorolla, de Gutiérrez Solana a Dis Berlin, de Rafael Alberti a Antonio López— dejando una huella que se traduce también en alrededor de 2.400 premios otorgados a lo largo de su trayectoria.





La muestra actual se suma a ese legado con una selección que evidencia la vitalidad del panorama artístico contemporáneo y la voluntad de la AEPE de seguir tendiendo puentes entre tradición, innovación y experimentación.

El 92º Salón de Otoño se puede visitar en la Casa de Vacas del Parque del Retiro hasta el 23 de noviembre de 2025, una oportunidad para disfrutar de un recorrido amplio y multisensorial por las diversas vertientes del arte que hoy se mueven en nuestra cultura.

Una cita imprescindible para quien quiera asomarse al pulso creativo de nuestro tiempo en uno de los espacios más emblemáticos de Madrid.


viernes, 31 de octubre de 2025

EXPOSICIONES: Colita. Antifémina

 



La exposición Colita. Antifémina, coorganizada por el DHub, La Fábrica y el Círculo de Bellas Artes pone de manifiesto el valor de un proyecto puesto en marcha por la fotógrafa Isabel Steva Hernández, más conocida por su seudónimo: Colita, y la escritora Maria Aurèlia Capmany, que se unieron en 1977 para crear lo que se considera el primero libro gráfico abiertamente feminista de la época de la Transición: Antifémina.

Pese a que la editorial le retiró del mercado rápidamente, la obra se convirtió en un libro de culto crítico y reivindicativo. Años más tarde, la propia Colita y el director de su Archivo y comisario de la exposición, Francesc Polop, recuperaron el proyecto y el libro fue reeditado y publicado en 2021 por la editorial Terranova y el Ayuntamiento de Barcelona.



La muestra reivindica la vigencia de las denuncias y reflexiones del libro, y a través de él, de las figuras de dos mujeres intelectuales y valientes, que lucharon por dignificar el hecho de ser mujer y por hablar abiertamente de feminismo.

EXPOSICIÓN TEMPORAL DEL 31 / 10 / 2025 - 25 / 01 / 2026