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jueves, 14 de mayo de 2026

ARTES ESCÉNICAS: Magui Mira y los Premios Talía 2026

 

La actriz y directora Magüi Mira este año preside por primera vez la gala de los Premios Talía, cuya cuarta edición se celebrará el próximo lunes 18 de mayo en los Teatros del Canal.

La ceremonia será retransmitida por La 2 de TVE y RTVE Play.

Los Premios Talía nacieron en 2023 impulsados por la Academia de las Artes Escénicas de España con la intención de convertirse en una gran celebración anual del teatro, la danza, el circo, la lírica y el conjunto de las artes escénicas españolas, algo parecido a lo que los Goya representan para el cine.

Sobre la gala de este año, Magüi Mira, como actual presidenta de la Academia, en sustitución de Cayetana Guillén Cuervo, ha explicado que quiere que tenga un tono “emocional, cercano y celebratorio”, poniendo el foco en quienes sostienen el teatro desde dentro: intérpretes, autores, técnicos, directores y compañías. También afirma que la ceremonia buscará reivindicar el valor humano y cultural de las artes escénicas y servir como punto de encuentro del sector y que aunque promete que la gala va a sr diferente a años anteriores, el espíritu seguirá siendo el mismo para que no se pierda su esencia.

Magüi ha insistido mucho en una idea: la necesidad de crear lo que ella llama “vida académica”. En declaraciones recogidas por la Academia, explicó que desean construir una institución activa y participativa, apoyada tanto por profesionales como por instituciones culturales. Una de sus frases más destacadas ha sido:

“Deseamos crear Vida Académica”.

Y añadió que la Academia “se ha levantado con el esfuerzo y la energía de todos”.

En un encuentro que ha tenido lugar ante un pequeño número de periodistas, entre los que se encontraba INOUT VIAJES,  Magüi Mira ha defendido especialmente el papel de las artes escénicas como herramienta de pensamiento crítico, emoción y cohesión social. Ha subrayado que el teatro “no es un lujo”, sino una necesidad cultural y humana, y que en tiempos de incertidumbre las artes escénicas ayudan a comprender mejor la realidad y a mantener viva la sensibilidad colectiva. También hay que destacar su intención de dar mayor visibilidad a todas las disciplinas escénicas y fortalecer la conexión entre generaciones de artistas.


NUEVA IMAGEN DEL PREMIO TALÍA


Otro de los aspectos importantes de esta edición es el reconocimiento a figuras históricas de la escena española. Entre los galardones especiales ya anunciados destaca el Premio Talía de Honor para María Galiana, reconocida por toda su trayectoria artística.

En cuanto a Magüi Mira, su elección como presidenta de la Academia supone también un reconocimiento a una carrera larguísima y muy respetada como actriz, directora y creadora teatral. Ha sido una figura fundamental de la escena española desde los años setenta y posee, entre otros reconocimientos, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.


viernes, 20 de febrero de 2026

ELLAS CREAN 2026: nuevo formato, mismo compromiso

 


Ha tenido lugar la presentación de la edición 22 de Ellas Crean, el festival decano de la cultura creada por mujeres, en el Centro Cultural Eduardo Úrculo. La ubicación de la presentación es parte del relato de esta edición, en la que el barrio madrileño de Tetuán cobra protagonismo, junto a cuatro de los grandes museos de la ciudad de titularidad estatal: Museo Arqueológico Nacional, Museo Nacional de Artes Decorativas, Museo del Traje. Centro de Investigación del Patrimonio Etnológico y Museo de América.

En la presentación han intervenido, en este orden, Concha Hernández, directora de Ellas Crean; Mercedes Roldán, subdirectora general de Museos Estatales del Ministerio de Cultura; y Paula Gómez-Angulo, concejal presidenta del Distrito de Tetuán. Además, se ha podido disfrutar de dos pequeños avances de la programación: una actuación musical de Lucía Espín (que actuará en el C.C. Eduardo Úrculo el 14 de marzo) y un fragmento de la lectura dramatizada De Judith a Artemisia, con las actrices Laura Ledesma y Natalia Rodríguez, que podrá disfrutarse completa el 12 de marzo también en el C.C. Eduardo Úrculo.



Ellas Crean, que concentrará su acción del 5 al 15 de marzo de 2026, volverá a ofrecer una panorámica sobre la actualidad de la creación de las mujeres en diversas disciplinas: música, danza, teatro y poesía, todo ello con entrada gratuita. En solo 10 días el público madrileño podrá disfrutar de citas tan destacadas como las de Dácil González y Melania Olcina (Premio Nacional de Danza 2019 y 2023 respectivamente), los conciertos de Leonor Watling & Leo Sidran y Lucía Espín o la lectura de La llama ebria. Antología de mujeres poetas del surrealismo, entre otras propuestas.

La danza será una de las grandes protagonistas de esta edición 22. “Uno de los rasgos que definen a Ellas Crean es el compromiso, sostenido en el tiempo, que ha mantenido con la danza”, ha declarado Concha Hernández, directora de Ellas Crean. “Un apoyo que se torna en símbolo de resistencia en esta edición reducida de 2026, con un 60% de su programación dedicado a esta disciplina. En esta 22 edición podremos disfrutar del enorme talento de coreógrafas y bailarinas que hemos visto crecer durante estos años”.

Mercedes Roldán, subdirectora general de Museos Estatales del Ministerio de Cultura, ha expuesto que “un año más, Danza en los Museos vuelve a formar parte esencial de Ellas Crean, reafirmando la capacidad del festival para explorar los diálogos que se generan entre la creación coreográfica y los espacios patrimoniales. Para los Museos Estatales, esta participación representa una valiosa oportunidad no solo para seguir ofreciendo visibilidad a las mujeres creadoras, sino también para abrir nuevas formas de relación con nuestras colecciones y con el público”.



Ellas Crean 2026 seguirá la línea trazada desde años en el festival: propuestas de artistas tanto consagradas como emergentes, a menudo entrelazadas con la recuperación de la memoria, sumadas a una apuesta consciente y comprometida por la danza, sin olvidar los espacios para la música, el teatro y la poesía.

Ellas Crean 2026 cuenta con el apoyo principal de la Junta Municipal del Distrito de Tetuán (Ayuntamiento de Madrid) y la participación de la Subdirección General de Museos Estatales (Dirección General de Patrimonio Cultural y Bellas Artes, Ministerio de Cultura).


viernes, 30 de enero de 2026

TEATRO: Nave 10 Matadero acoge el estreno absoluto de 'Tres noches en Ítaca', de Alberto Conejero

 



Nave 10 Matadero, espacio de dramaturgia contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, acoge a partir del 6 de febrero el estreno absoluto de Tres noches en Ítaca, la nueva obra del dramaturgo Alberto Conejero, dirigida por María Goiricelaya. Una tragicomedia íntima que transita entre el duelo y la risa inesperada, entre la memoria y la posibilidad de renacer, y que propone una mirada humana sobre los vínculos familiares. En escena, Cecilia Freire, Marta Nieto y Amaia Lizarralde encarnan a las tres hermanas protagonistas.

La obra parte de un viaje: el de tres hermanas que, después de mucho tiempo sin verse, se reúnen en la isla de Ítaca tras la muerte de su madre, Alicia, una profesora de griego clásico que años atrás decidió abandonarlo todo y establecerse allí. Lo que comienza como un encuentro marcado por la ausencia, se transforma en un espacio para revisar el pasado, nombrar lo que no se dijo a tiempo y preguntarse qué significa seguir adelante cuando ya no hay respuestas. Tres noches en Ítaca habla de la familia como un organismo complejo, contradictorio e imperfecto, donde el amor convive con el reproche y el cuidado adopta formas que no siempre sabemos reconocer. 

El texto de Alberto Conejero construye una propuesta atravesada por la memoria, el duelo y lo cotidiano, en un delicado equilibrio entre lo doloroso y lo torpe, entre Homero y el papeleo administrativo. Ítaca no es aquí un lugar al que llegar, sino el gesto de detenerse, escuchar el silencio y atender a aquello que quizá todavía puede decirse.

Para la directora, María Goiricelaya, la obra propone una mirada bondadosa hacia quienes nos precedieron, una invitación a reconocer a madres y padres como personas completas, con deseos, contradicciones y sueños propios. En escena, las tres hermanas se ven obligadas a reformular su constelación familiar, a vivir el duelo y la ausencia y a reconciliarse con aquello que las constituye. Un proceso de renacer complejo, atravesado por el perdón, el autoconocimiento y la necesidad de permanecer juntas mientras atraviesan lo irreparable.

Por su parte, Alberto Conejero define la pieza como una oportunidad para nombrar los silencios que atraviesan nuestra vida. “El silencio es elocuente y todos arrastramos cicatrices de silencio, pero también creo que siempre estamos a tiempo de nombrar”, señala el dramaturgo, subrayando la capacidad mágica del teatro, donde incluso los ausentes, los que ya no están, pueden brindarnos una nueva oportunidad. Ítaca aparece, así, como símbolo de la propia vida: punto de partida y de llegada, puerto y travesía, un lugar que nos pregunta qué hemos hecho con nuestro viaje.

En un mundo que exige velocidad, eficacia y éxito, Tres noches en Ítaca ofrece lo contrario: parar, escuchar y fracasar juntos. No ofrece consuelo, sino algo más frágil y quizá más necesario: la posibilidad de cuidarnos mientras atravesamos la herida.

La obra es una producción de NAVE 10 Matadero y Octubre Producciones y podrá verse del del 6 de febrero al 8 de marzo en la sala Max Aub, con funciones de martes a domingos.


viernes, 16 de enero de 2026

ÁMBITO CULTURAL: José Manuel Lucía Megías, Paco León, la Gran Vía y voces de teatro

 


Como cada semana, Ámbito Cultural propone una serie de citas culturales para los próximos días.



1-Lunes 19 de enero a las 19:30 h

#LDELÍRICA CON JOSÉ MANUEL LUCÍA MEGÍAS

  • El invitado: filólogo, escritor y poeta, es considerado uno de los mayores expertos en Cervantes, lo que le ha llevado a colaborar con Alejandro Amenábar como asesor histórico en la película El cautivo.
  • Sobre el encuentro: Gonzalo Escarpa, director del ciclo, conversa con Megías para cruzar ideas, reflexiones y explorar la poesía contemporánea.

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2-Martes 20 de enero a las 19:30 h



LECTURA DRAMATIZADA: "ZEBRAS"

  • La experiencia: Zebras propone un recorrido por seis escenas que se mueven entre el humor, el desconcierto y la ternura. 
  • La obra: se trata de una selección de fragmentos de La reunificación de las dos Coreas, donde el autor francés Joël Pommerat reatrata, de forma surrealista, relaciones frágiles y situaciones límite.

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3-Miércoles 21 de enero a las 19:30 h



"EL ЯEVERSO DE LA HISTORIA": EL ЯEVERSO DE LA GRAN VÍA

 

  • La propuesta: Miguel Zorita nos invita a descubrir Madrid desde un ángulo inesperado: el reverso de su avenida más célebre. Un recorrido que revela historias, transformaciones y huellas que suelen quedar fuera del foco.
  • La mirada: la construcción de la Gran Vía marcó un antes y un después en la vida urbana de la ciudad, un cambio en el trazado histórico de Madrid partiendo en dos su fisonomía y transformando para siempre su identidad.

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4-Jueves 22 de enero a las 19:30 h



"MI VIDA EN PELÍCULAS" CON PACO LEÓN

  • El invitado: actor, director y productor con una carrera que abarca televisión, cine y plataformas digitales, convirtiéndose en una figura muy notoria de la cultura popular contemporánea.
  • El encuentro: Andrea G. Bermejo, redactora jefa de CINEMANÍA, conversa con el actor para recorrer juntos los hitos de su carrera, avanzar detalles de su próximo estreno y conocer las películas que le han marcado.

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viernes, 19 de diciembre de 2025

MUSICALES: El Teatro Fernán Gómez se prepara para recibir el mítico musical Rent

 



El Teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa se llena de emoción para acoger el estreno de Rent, el mítico musical de Jonathan Larson que celebra su 30 aniversario y que podrá verse en la Sala Guirau del 23 de diciembre de 2025 al 25 de enero de 2026, de la mano de Outcast Producciones.

Treinta años después de su estreno original, Rent regresa para recordarnos por qué cambió para siempre la historia del teatro musical. Madrid será testigo de una obra que sigue latiendo con la misma intensidad, capaz de conmover, sacudir conciencias y celebrar la vida incluso en sus momentos más frágiles. Su llegada al Fernán Gómez supone un encuentro con una historia profundamente humana que habla de amor, amistad y resistencia frente a la adversidad.

Inspirado en La Bohème, el musical nos traslada al East Village del Nueva York de finales del siglo XX, donde un grupo de jóvenes artistas lucha por sobrevivir, crear y amar en medio de la precariedad, la enfermedad y los conflictos personales. A través de una poderosa partitura que fusiona rock, pop y sonidos urbanos, Rent alza la voz para reivindicar la libertad creativa, la diversidad, la identidad y la urgencia de vivir el presente sin miedo.

Esta nueva producción propone una puesta en escena vibrante, cercana y contemporánea, pensada para emocionar tanto a quienes descubren Rent por primera vez como a quienes lo llevan grabado en la memoria. El montaje enfatiza el espíritu colectivo y rebelde que convirtió al musical en un fenómeno cultural y en un símbolo de toda una generación.

Con este estreno, el Fernán Gómez reafirma su compromiso con los grandes títulos del teatro musical internacional, ofreciendo al público madrileño una experiencia que va más allá del espectáculo: una celebración de la vida, del arte y de la comunidad. Rent no es solo un musical, es un grito de esperanza que invita a medir el tiempo en amor.

El telón se bajará el 25 de enero de 2026, una fecha cargada de significado, al cumplirse 30 años del fallecimiento de Jonathan Larson, quien murió la noche del estreno de su obra maestra. Un homenaje conmovedor a un creador que, a través de su música, sigue vivo en cada función.


martes, 4 de noviembre de 2025

'Ven al teatro, vive Madrid'

 


La capital levantó hace unos días el telón de su mejor temporada como destino de musicales

La ciudad de Madrid ha levantado el telón de su temporada de artes escénicas 2025/2026 con una cartelera que confirma su liderazgo como uno de los grandes destinos culturales del mundo.

Para impulsar este activo turístico, el Área Delegada de Turismo patrocina la nueva campaña ‘Ven al teatro, vive Madrid’, promovida por la Asociación de Productores y Teatros de Madrid (APTEM). En total, la nueva temporada contará con más de 300 espectáculos y 16 musicales. Según los datos de APTEM, los teatros madrileños reunieron un total de 3,5 millones de espectadores el año pasado.

“Madrid va a vivir una temporada histórica en su oferta de teatros, espectáculos y musicales”, ha destacado la concejala delegada de Turismo, Almudena Maíllo, que ha subrayado que “ir al teatro en Madrid es una de las mejores experiencias que hay”. Maíllo ha añadido que “las artes escénicas son uno de los grandes atractivos turísticos de la ciudad con un impacto económico que se refleja en otros sectores como el comercio, el transporte o la hostelería”.

 La campaña, activa hasta principios de noviembre, se difundirá a nivel nacional en televisión, radio, prensa, medios digitales y mobiliario urbano, así como en los soportes de distintos colaboradores. En estos dos últimos formatos, se desplegará en 28 ciudades, como Málaga, Valencia, Sevilla, Barcelona, Valladolid, Bilbao o Salamanca y estará presente en 650 autobuses de rutas dentro de la Comunidad de Madrid y de rutas nacionales con destino a la capital. 

 Con una imagen que combina la identidad visual de Madrid y el universo teatral, la iniciativa invita a madrileños y visitantes a disfrutar de la experiencia completa que supone acudir al teatro en la capital.

 Madrid, capital del musical en español

Madrid es una de las ciudades con mayor número y calidad de producciones teatrales y el destino líder de los musicales en español, un género en plena expansión que atrae cada año a miles de espectadores. Según el Anuario de Turismo de la Ciudad de Madrid 2024, casi un tercio de las butacas de sus teatros se dedican a musicales, con la Gran Vía como epicentro escénico y nuevas propuestas en otros puntos de la ciudad, como WAH Madrid en IFEMA Madrid.


Esta temporada reunirá algunos de los mayores títulos del panorama internacional con estrenos como Cenicienta, el musical (Teatro Coliseum), Wicked (Nuevo Teatro Alcalá), Cabaret, el musical (Kit Kat Klub, UMusic Hotel Teatro Albéniz), Oliver Twist, el musical (Teatro La Latina) o Buscando a Audrey. The Musical (Teatro Espacio Audrey), con clásicos como El Rey León (Teatro Lope de Vega), Los Miserables (Teatro Apolo), o The Book of Mormon (Teatro Rialto).


lunes, 27 de octubre de 2025

PARA LA LIBERTAD: LA MEMORIA DE MIGUEL HERNÁNDEZ QUE AÚN EMOCIONA


 

Teatro Calderón · Rooftop Lírico · Madrid

Bajo las luces del Rooftop Lírico del Teatro Calderón, Para la libertad —de Okapi Producciones— revive la voz y la herida del poeta Miguel Hernández, medio siglo después del mítico disco de Joan Manuel Serrat.


Con dirección escénica de Gabriel Fuentes y musical de Daniel Molina, el montaje entrelaza poesía, música e historia para reconstruir un tiempo de lucha y esperanza. Pablo Sevilla, Claudia Galán y Juan de Vera dan vida a un poeta que ama, duda y resiste, acompañados por música en directo que convierte los versos en respiración compartida.


El espectáculo no es un recital ni un biopic, sino una experiencia emocional donde la palabra y la música dialogan con la memoria. El diseño escénico de Isi Ponce, la iluminación de Juanjo Llorens y las proyecciones de Elvira Ruiz crean un paisaje de claroscuros donde el tiempo parece detenerse. La asesoría artística de Joan Manuel Serrat se siente en cada silencio, en cada acorde medido.


El público ha respondido con lágrimas y ovaciones: “He llorado y he cantado sin darme cuenta”, decía una espectadora tras el estreno. Y es que Para la libertad no solo homenajea a Miguel Hernández, sino que lo devuelve a la vida: un poeta vivo, humano, contemporáneo.

Fechas: del 24 de octubre al 30 de noviembre
Horario: Jue–Vie 19:00 | Sáb 20:30 | Dom 17:30
Teatro Calderón, Madrid



Con esta obra, Okapi Producciones y beon. Entertainment inauguran la programación de LÍRICO, un espacio que apuesta por un teatro musical íntimo y de calidad en pleno corazón de Madrid.


 


viernes, 13 de junio de 2025

NOTICIAS CULTURALES: El Festival de Mérida y Paradores renuevan su acuerdo de colaboración

 

El director del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Jesús Cimarro, y la presidenta de Paradores de Turismo de España, Raquel Sánchez, firmaron en Mérida un nuevo acuerdo de colaboración por el que ambas entidades trabajarán conjuntamente en el desarrollo de iniciativas que contribuyan a la promoción del Festival de Teatro de Mérida y a la difusión de la cultura grecolatina, así como a favor de la protección y promoción del patrimonio histórico, artístico y cultural.

Además, este acuerdo permitirá la incorporación de un mayor conocimiento y disfrute para los clientes de la Red de Paradores de Turismo del Estado.

Para Raquel Sánchez, la reedición de esta cooperación demuestra el compromiso de Paradores con la promoción de la cultura en beneficio del territorio. En este sentido, “el Festival de Mérida representa una de las expresiones más auténticas de nuestra herencia cultural y representa una valiosa oportunidad para continuar impulsando iniciativas que fortalezcan el valor cultural en nuestros destinos”.

En sus palabras, la presidenta ha recalcado “el compromiso de Paradores con el fomento y promoción de todo tipo de iniciativas culturales, que tienen lugar tanto en los propios Paradores como en las localidades y entornos donde se ubican nuestros establecimientos”. El acuerdo con el Festival es un ejemplo de ese compromiso porque “estas iniciativas son un motor de dinamización económica, social y cultural para los territorios demostrando el impacto positivo que tiene la colaboración entre instituciones y organismos en la promoción del patrimonio y el desarrollo sostenible”.

Promociones exclusivas

Cabe destacar que entre las acciones recogidas en el acuerdo de colaboración, se incluyen promociones especiales del Festival Internacional de Teatro Clásico para los clientes del Parador de Mérida como un 20 por ciento de descuento en todas las entradas para las funciones del Festival, además del descuento exclusivo del 20 por ciento en la adquisición de entradas de todos los espectáculos de esta edición del Festival para los titulares de la tarjeta de fidelización “Amigos de Paradores”.

Asimismo, los usuarios de la red hostelera pública de Paradores encontrarán más información acerca de la programación de la 71ª edición del Festival en los Paradores de Mérida, Zafra, Cáceres, Guadalupe, Jarandilla de la Vera, Plasencia y Trujillo; así como en la revista corporativa, web y redes sociales de la cadena hotelera.

Este acuerdo también incluye el desarrollo de futuras líneas de colaboración mediante la puesta en marcha de diversas acciones y actividades de cooperación, formación y desarrollo de programas que incluyen la participación de ambas entidades en proyectos conjuntos.


jueves, 12 de junio de 2025

La tristura estrena en el GREC la obra “Renacimiento”

 

A las puertas del aniversario, el próximo 20N, de la muerte del dictador Franco, La Tristura estrena en Cataluña, en el marco del Festival GREC de Barcelona (el sábado 5 de julio y el domingo 6 de julio), su obra Renacimiento. Una obra que pone el foco en el nacimiento de la democracia española actual, y también en el mundo invisible del teatro, sin el que el acto escénico no ocurriría. Se crea así, en definitiva, una propuesta escénica sobre el valor de lo colectivo.

El montaje, coproducción de Teatros del Canal, Théâtre de Liège, Noorderzon/Grand Theatre Groningen, Ayuntamiento de Madrid y La tristura, también con el apoyo de la Red europea Prospero, llega al Festival Grec de vuelta de su paso por Madrid y teatros de todo el Estado Español, y de una gira internacional que ha llevado este título a Francia, Bélgica, Holanda, Suiza o Portugal, entre otros escenarios. Además de un enorme elenco de más de veinte intérpretes, en escena estarán artistas de distintas disciplinas como el cineasta Isaki Lacuesta, la música Ede, la compañía de danza Mucha Muchacha o el actor Biel Rossell.

 

Renacimiento comienza con una de las frases más famosas de Shakespeare: "mi reino por un caballo". Fue lo último que dijo el rey Ricardo III antes de morir en la batalla de Bosworth en el año 1485, y que marcó el final de la Edad Media en Inglaterra para dar paso al Renacimiento. El comienzo de una nueva era para la humanidad. Cuando termina la escena, suenan aplausos y nos damos cuenta de que no estamos asistiendo a la representación de la obra de Shakespeare, sino a otra que transcurre actualmente y que protagoniza el personal técnico que trabaja en un teatro, y que tiene que desmontar la escenografía de la función. Un equipo nacido en los ochenta, prácticamente a la par que la democracia española.

 

La obra establece, así, una triple analogía entre el Renacimiento como etapa histórica y cultural que puso fin a la oscura Edad Media, el desmontaje de una escenografía teatral para dar paso a la siguiente y la llegada de la democracia a España, tras cuarenta años de dictadura.

 

Son analogías que quedan subrayadas tanto con proyecciones de textos poéticos que recuerdan momentos clave de la historia reciente de España como en las conversaciones que mantiene ese equipo técnico teatral que protagoniza la obra. Mientras desmontan el escenario, estas personas trabajadoras se cuentan, unas a otras, se cuentan, unas a otras, secretos de infancia, amores y desamores y problemas laborales en los que subyace a menudo la gran cuestión que guía la propuesta: ¿cuánto se ha perdido de aquel impulso inicial y puro que llevó a la democracia a este país? Y otra: ¿es el momento, quizá, de un nuevo renacimiento? ¿Debemos implicarnos ya en la regeneración de nuestro mundo? No se trata tanto de juzgar este sistema político y su funcionamiento como de tomar conciencia de su juventud en términos históricos. Todo se puede, aún, reconstruir o transformar. Todo podría renacer, como anuncia el título.


Trailer Renacimiento GREC en Vimeo



martes, 6 de mayo de 2025

Condeduque estrenará Trabajos forzados, de la compañía de teatro Ça Marche

 

La compañía fundada en 2015 trae a Condeduque el estreno absoluto de su nueva pieza, en la que participan intérpretes no profesionales de la comunidad sorda de Barcelona

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque acogerá mañana 7 de mayo la pieza teatral Trabajos forzados, de la compañía catalana Ça Marche. Como es habitual en esta compañía, el proceso creativo involucra a intérpretes no profesionales, en este caso, a un grupo de personas de la comunidad sorda de Barcelona, quienes participan activamente en las decisiones que dan forma al proyecto. La obra cuestiona nuestra relación con el lenguaje y cómo este se inscribe en nuestros cuerpos, explorando la idea de la voz, tanto literal como poéticamente, y la imposición de la oralidad en la civilización occidental. 

Trabajos forzados

Trabajos forzados es un espectáculo en lengua de signos catalana (LSC) y español oral que cuestiona las dinámicas del lenguaje y su relación con el cuerpo, partiendo de la idea del silencio, tanto el elegido como el impuesto. En escena, Pepita, performer sorda, narra historias y responde preguntas en LSC, creando un diálogo entre diferentes formas de percibir y expresar el mundo. La acompaña el director del espectáculo y un intérprete en LSC que no solo traduce, sino que se convierte en parte activa de la pieza, desafiando el propio acto de interpretar.

Inspirado en el legado de la narración oral y en la necesidad de las comunidades de contar historias para construir su identidad colectiva, Trabajos forzados propone un viaje sensorial donde la lengua de signos no se limita a ser una traducción, sino que es una parte fundamental de la escritura escénica. A través del gesto, la vibración y el silencio, el espectáculo invita tanto a personas sordas como a oyentes a compartir una experiencia que desafía los límites de lo que entendemos por accesibilidad y lenguaje.

Ça Marche

Fundada en 2015 y con sede en Barcelona, Ça Marche pone la ética al mismo nivel de la exigencia artística en sus trabajos, que van más allá de la mera exhibición teatral. Durante todo el proceso, la compañía se ha estado relacionando con múltiples tejidos asociativos, instituciones y compañías que han desarrollado reflexiones y trabajos en torno a la accesibilidad, con el objetivo de poder desarrollar, en el marco de Trabajos forzados, espacios, proyectos o contextos con la comunidad sorda que puedan ensanchar todo lo posible la experiencia y su huella futura. Esta pieza ha tenido su origen en el proyecto europeo Future Laboratory, del que Condeduque ha formado parte. 


martes, 15 de abril de 2025

Como si fuera esta noche, de Gracia Morales llega a La Mirador

DEL 24 AL 27 DE ABRIL

En escena, Estrella Zapatero y Piedad Montero, dando vida a una madre y una hija en un encuentro imposible que rompe las coordenadas espacio-temporales convencionales.

Una historia que, usando la cotidianidad y el lirismo, trata de mostrar un fragmento –la punta del iceberg- de una realidad que deberíamos seguir contando: la de la violencia contra las mujeres y sus consecuencias.

‘Como si fuera esta noche’ sumerge en un encuentro imposible, atemporal y poético como el que sólo puede darse en el teatro y en los sueños.

Dos mujeres, Mercedes y Clara, unidas por una especie de mágico “cordón umbilical” que lleva del presente de una hasta el pasado de la otra. Un viaje de ambas a un mundo deseado donde compartir retazos de la vida que pudo haber sido.

En palabras de la directora:

“Al leer la pieza de Gracia Morales la emoción brotó por mi garganta de manera irrefrenable. Esa emoción, intacta, se trasladó en la lectura que hicimos con Estrella y Piedad en nuestro primer ensayo Y nos acompaña función a función, cada vez que ponemos en acción la magia de Como si fuera esta noche.
 Amo hacer teatro porque me permite jugar sin fronteras. En esta oportunidad, la obra de Gracia nos permite quebrar el imposible, vivir un sueño, hacer magia. Poder viajar al pasado, reencontrarnos con un ser querido que ya no está y compartir con él cosas importantes, intentar quebrar el destino, modificar el destino todos deseos que en algún momento nos sobrevuelan, intentos elementalmente humanos.
Cada palabra, cada acción, está alejada del lugar común y a la vez nos convoca de manera irremediable. Madre e hija son únicas y a la vez somos todas. Es un placer gigante trabajar con dos actrices que confían ciegamente en que, si lo creen, sucede el milagro. Ojalá cada espectador disfrute de la entrega y el viaje que la obra propone, que se permita por un momento, en ese presente del teatro, meterse dentro de un sueño y jugar con nosotras".


En palabras de la autora:

Como si fuera esta noche nos propone sumergirnos en un mundo mágico, un mundo que, traspasando todas las barreras temporales, permite en un salto de casi dos décadas, un encuentro fugaz entre madre e hija, decisivo para esta última.
Como si fuera esta noche es la memoria y el deseo pero, sobre todo, lo que la atraviesa y sostiene es la ternura encarnada en Mercedes y Clara, sus personajes, y el vínculo (el que existió y el que hubiera podido existir) que las une.
Esta puesta en escena quiere ser un homenaje a mujeres que hablan en voz alta mientras cosen u ordenan la casa, a mujeres que canturrean para apagar el silencio, a mujeres que esperan, que temen, que callan, que desean, que se sienten fuertes o desprotegidas. 
Esta historia, rebosante de cotidianidad y lirismo, trata de mostrar un fragmento la punta del iceberg de una realidad que deberíamos seguir contando.


 

lunes, 14 de abril de 2025

Todo lo que veo me sobrevivirá contado en 1.935 palabras

 

TRÍPTICO DE LA VIDA III

(Sala Cuarta Pared)

Tras el éxito de las dos primeras entregas, se presenta la tercera parte del Tríptico de la Vida.

Raquel Alarcón, su directora y coautora, cuenta con un equipo de cinco dramaturgos/as de distintas generaciones para crear esta obra compuesta de cinco relatos contados desde miradas y etapas vitales distintas.

Todo lo que veo me sobrevivirácuyo título proviene de una exposición del escultor Juan Muñoz, quien a su vez se inspiró en un soneto de Anna Ajmátova, cierra el Tríptico de la Vida. La propuesta bajo la dirección de Raquel Alarcón cuenta con un elenco de seis actores: Esther Isla, Puchi Lagarde, Jorge Mayor, Julio Montañana, Gilda Polo Camacho y Viena Polo Camacho. En la obra intervienen autoras y autores de distintas generaciones de la dramaturgia contemporánea, Lucía Carballal, Esther García Llovet, Roberto Martín Maiztegui, Pablo Remón, Mélanie Werder Avilés, y la propia Raquel Alarcón, en íntima relación con la visión dramatúrgica de la directora.

“Una multiplicidad de voces que refleja distintas miradas para construir una sola historia. Una historia que es a la vez muchas historias, como si todas fueran variaciones de una misma vida».

Concluye esta última entrega del Tríptico de la Vida, un proyecto de la Compañía Cuarta Pared que, por su 40º aniversario, invitó a tres directoras vinculadas a su trayectoria a desarrollar tres propuestas escénicas partiendo de una misma pregunta:

¿Se puede contar la vida?

Todo lo que veo me sobrevivirá es la suma de cinco relatos y un recuerdo de infancia. Cuenta la historia de cinco personajes de distintas edades que se enfrentan de forma inesperada a una decisión vital. Personajes a quienes la vida les sorprende en los lugares más inoportunos, como un polígono industrial, la cafetería de un supermercado, un parque de bolas o un blablacar.

Personajes que parten de un suceso cotidiano, como perder un estuche, responder a la pregunta de un niño o coincidir con una familia de viaje, y lo que esto desencadena en cada uno de ellos. Personajes que reaccionan desde el humor, el asombro o el enfado pero son capaces de detenerse y mirar. ¿Qué les sucede cuando contemplan aquello que no se puede explicar? ¿Cómo se enfrentan a estos momentos y cómo los atraviesan?

Todo lo que veo me sobrevivirá propone un viaje de lo individual a lo colectivo, de lo invisible a lo visible, de lo anecdótico a la totalidad. Es una invitación a pararnos y mirar.

La puesta en escena es dinámica y creativa: los actores utilizan contenedores metálicos de los que extraen los elementos necesarios para construir las diferentes escenografías.

Este enfoque permite que el espacio escénico se transforme continuamente, adaptándose a las distintas historias.


El elenco está formado por Esther Isla, Puchi Lagarde, Jorge Mayor, Julio Montañana y las niñas Gilda y Viena Polo Camacho. La obra tiene una duración aproximada de 100 minutos.

¿Y el público que pinta en la sala?

Quizá algo, quizá nada…

Aunque quizá los actores y las actrices reclamen la colaboración y la complicidad de los asistentes…

Pero… sólo quizá…

Y allí se queda todo el material utilizado para hacer y deshacer las distintas historias, cinco, que componen la obra, o las cinco obras que componen la historias…



FECHAS: Del 10 al 26 de abril de 2025 | HORARIO: De jueves a sábado a las 20h00 (excepto jueves 24) | DURACIÓN: 100min


 

domingo, 13 de octubre de 2024

La nueva magia se llama INMAGIC

 


"Para mí la magia es una manera de sacar una sonrisa a cualquier persona, aunque esté pasando un mal momento”

Pero…

¿QUIÉN ES INMAGIC?

Inmaculada Quesada Paredes, más conocida como Inmagic, se ha convertido en la maga más viral del mundo, con más de 20 millones de seguidores en sus redes sociales.

EN EL TEATRO REINA VICTORIA (MADRID) DESDE EL 6 DE OCTUBRE

Inmagic descubrió su pasión por la magia con tan solo 12 años, En la pandemia comenzó a garbar vídeos en la habitación de su casa en Lucena (Córdoba) y desde el principio sintió una inmediata conexión con la audiencia, que no ha parado de crecer hasta ahora.

¿SE PUEDE TRASPASAR EL MUNDO VIRTUAL?

Más de 12 millones de seguidores en Tik Tok, más de 10 millones en YouTube y más de 630k en Instagram. Inmagic ha revolucionado el mundo de la magia, ha actuado en prestigiosos escenarios como el Festival Internacional de Magia de Madrid, junto a algunos de los mejores ilusionistas del mundo. Ha sido nominada en los “About You Awards” en Milán, y a los Premios Tik Tok.

¿ESTARÁ SEGURA LA CONTRASEÑA DE TU MÓVIL?

En TV ha aparecido en “El Hormiguero” (Antena 3), ha colaborado en producciones de Amazon Prime Video, y ha sido la primera maga invitada a “La Resistencia”, el popular late night de David Broncano.

En 2023 ha publicado su primer libro "Inmagic y el corazón de la magia” con la editorial Martínez Roca (Planeta).

Ahora el público tiene la oportunidad de verla en directo por primera vez a partir del 6 de octubre en el Teatro Reina Victoria.

Su mayor ilusión es dar el salto de la pantalla a las tablas y poder sentir de cerca al público. Ver la cara de la gente reaccionar a su magia in situ.


INMAGIC: DESCUBRE LA NUEVA MAGIA, es una nueva experiencia teatral, un nuevo lenguaje que traslada su magia en redes sociales a las tablas de un teatro. Un show lleno efectos interactivos, tecnología, e ilusiones inéditas nunca antes vistas, como la fusión de magia y baile Kpop.

Los espectadores se sumergirán en el universo de Inmagic, a través de “Challenges mágicos”, apariciones imposibles, e interacciones con el mundo virtual.


domingo, 19 de mayo de 2024

SUEÑO - PESADILLA CON ISRAEL GALVÁN

 

DREAM – MADRE

Espectáculo inclasificable

Música – Ruidos

Música ruidosa

Ruidos musicales

MADRE – HIJO O HIJO – MADRE

Animales más o menos salvajes

Humanos más o menos salvajes

Madres terribles, poderosas, posesivas, sacrificadas, sacrificadoras …

 

Gaviotas, unicornios, arañas ¿bellas? repulsivas…

 


Zapateando entre el líquido amniótico

Embarazo ¿deseado? Parto ¿natural?

Abandono de la cría

 

¡Como vaya yo!

¡Como vaya y lo encuentre!

 


Todo eso y más o menos…

DREAM

MADRE

SUEÑO

PESADILLA

Y UN GRITO PRIMIGÉNIO

Y UN RUIDO ANTIGUO

ISRAEL GALVÁN EN ESTADO IMPURO…



Y todo eso y más en el Teatro Español hasta el 26 de mayo.

Galván está acompañado en el escenario por María Marín a la guitarra y cante, Antonio Moreno a las percusiones, Juan Jiménez Alba a los vientos y con la peculiar voz de la abogada Paquita Cobos Gil.

DREAM, ANAGRAMA DE MADRE, ES UN ¿ESPECTÁCULO? QUE INDAGA EN LAS RELACIONES MATERNO FILIALES…

 


 

viernes, 19 de abril de 2024

ANABEL ALONSO PROTAGONIZA LA CELESTINA

 

…que llega al Teatro Reina Victoria del 18 de abril al 16 de junio

Esta nueva producción presenta un reparto de lujo, liderado por una maravillosa Anabel Alonso que consigue encarnar a la perfección el espíritu de Celestina.

Anabel Alonso logra ofrecer la fuerza que el personaje reclama y regala al público el toque de humor necesario para relativizar el dramatismo y la intensidad de la historia.

Junto a ella, encontramos un brillante José Saiz en el doble papel de Pleberio y Sempronio, a Víctor Sainz como el joven Calisto, una maravillosa Melibea representada por Claudia Taboada (que también da vida a Areúsa), a Beatriz Grimaldos como Elicea y Lucrecia y, finalmente, a David Huertas como Pármeno.

Eduardo Galán se lanza de nuevo a versionar una de las obras de teatro más simbólicas y representativas del teatro español. Lo hace manteniendo la esencia de la tragicomedia original mostrando unos personajes auténticos y un retrato de los problemas del momento. Sin embargo, en esta versión logra trasladar esta esencia al público actual. Se alcanza este objetivo dando dinamismo a la obra, obviando parrafadas barrocas, manteniendo el lenguaje de época, eliminando arcaísmos y otros elementos que dificultan la comprensión, todo ello sin caer en modismos de nuestro tiempo.



Esta excelente unión de una versión novedosa del texto junto con un reparto caracterizado por la calidad y la experiencia, encuentran una promesa de éxito añadiendo un último ingrediente: la dirección bajo las manos de Antonio C. Guijosa. Un director cuyo trabajo ha sido ya reconocido en numerosas ocasiones con premios de diferentes naturalezas. Guijosa nos ofrece una visión meditada y madura del clásico.

NUESTRA CELESTINA: LA PASIÓN ERÓTICA Y LA CODICIA AL RITMO DEL “CARPE DIEM”

EDUARDO GALÁN: “En esta nueva versión respecto a la que realicé hace casi doce años antes dirigida por Mariano de Paco Serrano y protagonizada por Gemma Cuervo, la obra comienza con un flashback con parte del llanto final de Pleberio, para a continuación responderle Celestina por qué ha perdido la vida su hija Melibea, es decir, la versión se muestra desde el punto de vista de Celestina.

Se retrasa su caída lo máximo posible, porque en realidad el conflicto de la obra termina con la muerte de Celestina.

He buscado el dinamismo de la acción, el ritmo de los conflictos, la rapidez del paso del tiempo, para reflejar la idea central de la obra: el “carpe diem”, la brevedad de la vida, la necesidad –como dice Celestina a Melibea- de disfrutar de la juventud antes de que la vejez arruine la belleza. “¿Cómo no disfruté más del gozo?” se lamenta Melibea al ver morir a su amado Calisto.”