lunes, 26 de mayo de 2025

La zarzuela que hay en mí

 


CICLO DE CONFERENCIAS

Continúa la colaboración del Teatro de la Zarzuela y el Círculo de Bellas Artes en Madrid, en el ciclo 'La zarzuela que hay en mí', una aproximación a la zarzuela a través de lo cotidiano

Tras la sesión inaugural que tuvo lugar el pasado lunes 19 de mayo con las intervenciones de Cristina ConsuegraMarta Sanz y Remedios Zafra, en el Círculo de Bellas Artes, continúa el ciclo de conferencias 'La Zarzuela que hay en mí' con el objetivo principal de potenciar los procesos de identificación de la sociedad con este fenómeno cultural, poner en marcha mecanismos más contemporáneos que permitan que la sociedad se vea reflejada en un género que nos define como ningún otro a través del arraigo, de la memoria, de la cultura popular. Encontrar en lo cotidiano, elementos intrínsecos de la zarzuela. Analizar las respuestas a dos cuestiones que son claves: ¿por qué se ha vuelto tan poco seductor para el público y para los artistas? ¿Por qué no ofrece el suficiente atractivo para que tengamos un mayor apego y mejor conocimiento? Podremos disfrutar de este coloquio el próximo lunes día 26 de mayo en el Círculo de Bellas Artes.

Lunes, 26 de mayo - Filosofía política de la zarzuela: La invención del «pueblo». Con Félix DuqueJosé Carlos Ruiz y Valerio Rocco Lozano. (Entrada libre hasta completar aforo)

La zarzuela moderna española (tras la proliferación italianizante de obras del barroco tardío) es una consecuencia del ideal romántico de la «primavera de los pueblos»: una secuela valiosa en el plano artístico y que funciona ora como sucedáneo de un Poder nacional-popular inexistente, ora como sedante ideológico y opiáceo; pero que, en cambio, es inane en el ámbito geopolítico de la Europa de los grandes Imperios coloniales, en los que la vieja España neofeudal nada tiene ya que hacer. Por eso, entre la maniobra de distracción y la «aleccionadora» invención de una nacionalidad anacrónica, la zarzuela se mueve en un juego de argucias y retrocesos: entre la coyunda de la incipiente burguesía comercial, la alianza de terratenientes y espadones y el rumor latente e inquietante de las clases bajas. Una tormenta que declara (que quiere y a la vez teme) la inminencia de una revolución, aplastada ya en germen por nuestra guerra «incivil».

Ahora bien, en esa invención del Pueblo como genitivo objetivo y subjetivo, sus dos sentidos acaban coincidiendo en un punto literalmente capital: en erigir a la ciudad de Madrid como verdadero (¿y único?) centro no sólo político, sino cultural de España, reduciendo el resto a provincias, integradas éstas en comarcas literalmente «pueblerinas». Se intenta así avivar un folklore propio del pueblo, o lo que es lo mismo, de los pueblos rurales, con su rudeza, su campechanía y su bonhomía ancestrales, pero siempre que las zarzuelas exalten la patria chica como vivero de la Patria grande, predispuesta aquella desde siempre al homenaje y al sacrificio, así como al mantenimiento y propagación de las costumbres y de la moralidad de la «gente honesta». 

 

viernes, 23 de mayo de 2025

I Premio de comisariado José Luis Soler

 


Mnemosyne. Derivas y fragmentos en la producción de memoria, de la comisaria novel Eva del Llano, es el proyecto ganador de la convocatoria

La propuesta expositiva podrá visitarse a partir de septiembre en la Sala José Luis Soler (Bombas Gens, Valencia) dentro de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2025.

En esta XXVIII edición de PHotoESPAÑA, nos unimos a la Colección José Luis Soler, para lanzar la primera convocatoria de comisariado del festival. Una iniciativa con la que queremos dar visibilidad y oportunidades a nuevos talentos en el ámbito del comisariado, la investigación y la mediación cultural, apoyando su desarrollo profesional desde los comienzos de su carrera.

Esta primera edición ha estado dirigida a profesionales emergentes —españoles o residentes en España— que han presentado propuestas innovadoras basadas en los fondos de la Colección José Luis Soler, una de las colecciones fotográficas más valiosas de Europa.

El jurado, compuesto por Sandra Guimarães, directora del Museo Helga de Alvear, Cáceres; Manuel Segade, director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; y Vicente Todolí, director artístico Pirelli HangarBicocca y comisario independiente, han seleccionado por unanimidad el proyecto Mnemosyne. Derivas y fragmentos en la producción de memoria, de Eva del Llano (Madrid, 1997), como ganador de la convocatoria. Además, escogen dos proyectos finalistas: Rastros invisibles: arquitecturas de la ausencia, de Carlos Moreno (Barcelona, 1991), y ¿Cuánto ocupa la ausencia?, de Eva Pintiado Rapado (Madrid, 1999).

De la propuesta ganadora se ha valorado especialmente su solidez conceptual y curatorial, así como su enfoque innovador y participativo. La exposición plantea una lectura menos evidente y profundamente contemporánea de la memoria —uno de los temas centrales de la colección— a través de una cuidada selección de obras que incluye autores como Takuma Nakahira, Jonas Mekas o Ferran García Sevilla. Asimismo, el proyecto destaca por la calidad y creatividad de su programa paralelo, que incluye actividades diseñadas para propiciar el diálogo intergeneracional y fomentar la implicación de públicos diversos.

La exposición y este programa de mediación se podrán ver y disfrutar del 19 de septiembre de 2025 al 17 de enero de 2026 en la Sala José Luis Soler, ubicada en Bombas Gens (Valencia), como parte de la Sección Oficial de PHotoESPAÑA 2025.

A Time of Sincerity

 

Exposición de artesanía de la artista coreana Dahye Jeong

Del 30 de mayo al 31 de julio 2025

- Lugar: Galería Han-ul del Centro Cultural Coreano en España

- Entrada libre y gratuita de lunes a viernes de 10 a 14 h y de 15 a 19 h

Desde que ganó el Premio de Artesanía de la Fundación Loewe en 2022, Dahye Jeong se ha ganado el reconocimiento internacional y se ha convertido en una destacada embajadora cultural del arte y la artesanía de Corea.

Soluna Art Group, una empresa líder en la promoción del arte y la artesanía coreanos en todo el mundo, ha desempeñado un papel clave en la gestión y el apoyo de su presencia internacional, llevando su obra a públicos de todo el mundo.

Bajo el título «A Time of Sincerity - Un tiempo de sinceridad», las obras de Dahye Jeong se expondrán en el Centro Cultural Coreano en España desde finales de mayo mostrando 11 obras que son resultado de un proceso creativo de inmersión completo que se suma al material físico de la crin de caballo.

Además, en colaboración con la Fundación Loewe, se celebrará una charla abierta al público en la sede del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en la que participará la artista Dahye Jeong junto a otros galardonados del Premio de Artesanía de la Fundación Loewe.




El uso de crin de caballo —transparente, brillante y con forma propia— refleja en su obra valores como la constancia, la honestidad y la contemplación, enraizados en la filosofía confuciana. La artista busca que lo pequeño se una para formar algo fuerte y significativo, tal como su propia trayectoria vital y creativa. Esta fibra natural es usada desde hace más de 500 años en Corea para la confección de sombreros tradicionales durante la dinastía Joseon. La técnica, casi extinta, ha sido rescatada por Jeong y transformada en una expresión artística contemporánea que une tradición, innovación y sensibilidad estética.

“Mi trabajo es el resultado sincero de mi tiempo. Incluso un solo hilo de crin necesita tiempo para convertirse en volumen. Deseo que mi vida también se construya así: día a día, con dedicación”, afirma la artista.

Sobre Dahye Jeong

Dahye Jeong (Corea del Sur, 1989, Jeju) es una destacada artista y artesana especializada en tejidos tradicionales coreanos, especialmente en el uso de crin de caballo como material textil.

Es licenciada en Escultura por la Universidad Nacional de Jeju y tiene un máster en Artes Tradicionales Textiles por la Universidad Nacional de Patrimonio Cultural de Corea.

 


martes, 20 de mayo de 2025

UN RHUDO MUY SOFISTICADO: MANIFIESTO

 


el arte de transformar un sábado en toda una declaración

En pleno corazón del barrio de Salamanca, el Rhudo —símbolo de elegancia, cocina de autor y noches vibrantes— esconde una sorpresa que solo se revela los sábados.

Se llama Manifiesto y no es un espectáculo cualquiera: es una experiencia que convierte una cena en algo extraordinario.

Cuando cae la noche, el ambiente en Rhudo cambia. Las luces se atenúan, la música comienza a subir, y algo en el aire anuncia que lo que está por venir va más allá de lo esperado. Manifiesto es un show multidisciplinar que combina danza contemporánea, acrobacias, dramatización y efectos visuales con una puesta en escena milimétricamente cuidada.


A lo largo de la noche, artistas aparecen y desaparecen por los distintos espacios del restaurante, emergen entre las mesas, intervienen el espacio, sorprenden con movimientos precisos y gestos cargados de intención. Cada acto está pensado para emocionar, para provocar, para hacer que el espectador se sienta parte de algo más grande. Y una voz de mujer acaricia los sentidos o asalta el cuerpo para obligarte a que te levantes y bailes y aplaudas y… finalmente… te emociones…

Y el espectáculo se entrelaza con el servicio de sala, que no se detiene.

Platos sofisticados siguen llegando a las mesas, los cócteles fluyen con ritmo de coreografía y el público —asombrado y encantado— se convierte en testigo y cómplice.

Manifiesto no tiene un único formato ni una historia lineal. Cambia, evoluciona, se reinventa cada sábado. Pero siempre deja claro su propósito: celebrar la vida, el arte, el encuentro.


Es un homenaje al cuerpo, al movimiento y al instante compartido. A los sentidos…

Rhudo lo ha conseguido: ha hecho del sábado por la noche un manifiesto en sí mismo. Uno que se vive, se siente… y no se olvida.

 (Más información en RHUDO, donde la cena se convierte en espectáculo | Inout Viajes)

TURISMO INTERNACIONAL: La Toscana a través del cine

 


Una tierra que ha inspirado a directores de todo el mundo y que ha sido escenario de obras maestras como El paciente inglés, Gladiator o Una habitación con vistas. Desde pueblos de postal y colinas doradas hasta termas históricas y sabores auténticos, cada rincón invita a revivir escenas inolvidables.

Caminando por las colinas de Florencia siguiendo los pasos de "Una habitación con vistas"

Florencia y sus alrededores ofrecen un recorrido único inspirado en Una habitación con vistas, donde la literatura, el cine y la naturaleza se entrelazan. Empezando por la Piazza della Signoria y siguiendo hasta el Ponte Vecchio, el paseo continúa hacia las colinas que rodean la ciudad, por senderos como la Via degli Dei o la Vía Romea Sanese. Entre cipreses y villas, estos caminos invitan a revivir el viaje de la protagonista, con pausas en miradores y rincones que conservan intacta la magia toscana. 

El buen gusto del séptimo arte

En la Toscana, cada paisaje tiene su sabor. En Pienza, escenario de Gladiator y El paciente inglés, los sabores intensos del pici, una pasta gruesa tradicional, se combinan perfectamente con una copa de Brunello di Montalcino. Las colinas de Lucca, escenario de Milagro en Santa Ana, son perfectas para una bruschetta con Montecarlo DOC. En las colinas de Lucca, donde se rodó Milagro en Santa Ana, el gusto simple y auténtico de una bruschetta con aceite de oliva local se acompaña de un Montecarlo DOC, mientras que el cacciucco, guiso de mariscos típico de la costa, es protagonista en los acantilados de Castiglioncello que aparecen en Il sorpasso

Itinerarios cicloturísticos tras las huellas del cine

Explorar la Toscana en bicicleta es descubrirla desde otra perspectiva, donde el paisaje se convierte en un escenario vivo del cine. Uno de los itinerarios más conocidos sigue los pasos de Robando belleza de Bertolucci, partiendo desde los viñedos de Brolio y atravesando caminos rurales hacia Gaiole, Pianella y la villa de Geggiano. El recorrido finaliza en las termas de Monteaperti, ofreciendo una travesía que combina deporte, arte y representación cinematográfica. 

La artesanía toscana, una "estrella" oculta del cine

Más allá de las cámaras, la artesanía toscana ha dejado su marca en la historia del cine. Desde los talleres de Prato y Pistoia hasta la tradición musical de Siena o la innovación tecnológica de Pisa. Las creaciones locales han vestido escenas y actores de películas legendarias. Sombreros de paja usados por estrellas como Julia Roberts o Penélope Cruz, telas de Casentino, la Vespa de Vacaciones en Roma o el vaso de Blade Runner son algunas de las prendas icónicas que podrás encontrar. 

Tras la pista del Paciente Inglés

En la obra maestra de Anthony Minghella, la Val d'Orcia se convierte en un personaje más. Sus colinas suaves y los espectaculares cipreses envolvieron la historia de El paciente inglés, premiada con nueve premios Óscar y filmada en parte en el Monasterio de Sant’Anna in Camprena, cerca de Pienza. Hoy, este antiguo convento transformado en alojamiento sostenible invita a quienes buscan autenticidad y belleza serena, en un viaje que combina cine, paisaje y tranquilidad. 

Las termas toscanas: escenarios de películas ganadoras de los Óscar

Las espectaculares aguas termales de Toscana han sido elegidas por grandes directores como escenario de obras memorables. En Montecatini Terme, Fellini filmó escenas de , mientras que Oci ciornie y La felicidad es un sistema complejo se rodaron entre sus jardines y en la gruta natural de Monsummano Terme, considerada la mejor del mundo. Bagno Vignoni, con su piscina termal en plena plaza, fue inmortalizado en Nostalghia de Tarkovsky y en la reciente La Dolce Vita de Netflix. Un recorrido por estas termas es sinónimo de descanso y de espíritu cinematográfico. 



Condeduque estrena ‘Ruido clavel’, una propuesta musical que no entiende de límites entre géneros

 

El Centro de Cultura Contemporánea Condeduque acogerá el próximo 23 de mayo, un concierto para presentar el proyecto de Helena Amado y Pedro Rojas Ogáyar, ‘Ruido Clavel’ y tras el concierto tendrá lugar un encuentro con Pedro G. Romero, Premio Nacional de Artes Plásticas 2024 y comisario del proyecto, que en conversación con los artistas, desvelarán algunos entresijos de este punto de encuentro en torno a la copla.

Helena Amado y Pedro Rojas, guitarrista que viene de la música contemporánea, no se encasillan en clichés. Amado no solo es clavel, también es ruido: su interpretación, delicada y punzante, evoca un clavel de papel que se enreda y duele. Rojas no se limita al ruido: su guitarra, sutil y educada, descompone sonidos con una elegancia que sorprende. Su complicidad artística transforma las raíces de la copla, explorando sus pliegues con la libertad de quien no teme la metamorfosis. 

La copla, ese género fruto de reinvenciones e hilos musicales, se ha movido siempre en un terreno híbrido. Del cuplé sicalíptico francés que Pastora Imperio supo aflamencar, al universo de Concha Piquer y Rafael de León, hasta las versiones contemporáneas de Rocío Márquez, Rosalía o Niño de Elche, la copla ha encontrado su fuerza en la transformación.

“Al igual que el flamenco, la copla no es hermética. Es un universo de plasticidad, donde lo nuevo y lo viejo dialogan y se abrazan”, afirman Helena Amado y Pedro Rojas, que con Ruido Clavel reivindican esa capacidad única del arte popular para sobrevivir a través de sus mutaciones.

viernes, 16 de mayo de 2025

Tres de tres para el Teatro de la Zarzuela en la III edición de los premios Talía

 

ISAMAY BENAVENTE, DIRECTORA DEL TEATRO DE LA ZARZUELA

El teatro Fernando Fernán Gómez acogió la gala de los Premios Talía 2025, celebrada por la Academia de las Artes Escénicas de España, donde El Teatro de la Zarzuela consiguió los tres galardones a los que optaba en una noche cargada de emociones, reivindicaciones y mucha música y teatro.

Cabe destacar la aplaudida actuación de una selección de intérpretes jóvenes que forman parte del Proyecto Zarza quienes no dejaron indiferentes al público con un fragmento musical 'Introducción y polka de las calles' de Chueca y Valverde de la zarzuela de género chico 'La gran vía'.

PREMIOS DEL TEATRO DE LA ZARZUELA EN LA III EDICIÓN DE LOS PREMIOS TALÍA:

MEJOR ESPECTÁCULO DE LÍRICA

La rosa del azafrán, producción del Teatro de la Zarzuela

MEJOR INTÉRPRETE FEMENINA DE LÍRICA

Marina Monzó por Marina

MEJOR INTÉRPRETE MASCULINO DE LÍRICA

Ángel Ruiz por La rosa del azafrán