Porque viajar no solo es estar en alguna parte, es también ver, oír, sentir que hay lugares que esconden sorpresas...
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El 22 de
febrero, Miércoles de Ceniza, marcará el final del Carnaval con el tradicional
Entierro de la Sardina. A partir de las 10:00 horas, la Alegre Cofradía del
Entierro de la Sardina recorrerá el Madrid de los Austrias hasta la plaza
Mayor, donde terminará su desfile con la lectura del pregón y una pequeña
actuación musical. Por la tarde, a la cofradía le acompañará la Asociación
Comparsa de Gigantes y Cabezudos en su último periplo por las calles de Madrid,
comenzando en San Antonio de la Florida y llegando a su fin en la Fuente de los
Pajaritos de la plaza de las Moreras en la Casa de Campo, donde se pondrá el
broche de oro al Carnaval.
El punto de
inicio de la comitiva es frente a la estatua de Goya, autor del famoso
lienzo El entierro de la sardina, que se levanta frente a la ermita
de San Antonio de la Florida, pasando por el Puente de la Reina Victoria hasta
la Colonia de San Antonio y la Fuente de los Pajaritos. Esta nueva guía
ilustrada ha sido creada por la ilustradora María Corte, quien plasma su gusto
por las formas geométricas reflejados en este “mapamundi” del Entierro de la
Sardina. Corte ha colaborado con multitud de revistas como BBC Music
Magazine, The Deal, o LeCool, además ha
realizado portadas e ilustraciones para varios periódicos de diferentes países
tales como The New York Times, The Wall Street Journal, Corriere
della Sera, Il Sole, La Vanguardia,o Diari
de Tarragona.
Así mismo,
este mapa ilustrado cuenta con el texto de presentación de Jesús Hidalgo Cruz,
presidente de la Alegre Cofradía del Entierro de la Sardina de Madrid. Hidalgo
explica cómo los orígenes de la Cofradía se remontan al siglo XVIII y la
historia de esta tradición.
Ejemplares
de la publicación
Los “Mapas Culturales Ilustrados” son guías gratuitas centradas en temas
culturales que siempre tienen a Madrid como principal protagonista. Esta
iniciativa cultural es posible gracias al apoyo del Foro de Empresas por
Madrid, a través de la Oficina del Partenariado y Marca Madrid del Ayuntamiento
de Madrid.
Se
distribuyen en instalaciones municipales, desde bibliotecas a puntos de información
turística y centros culturales del Ayuntamiento.
“Somos
ballenas, pero las ballenas están muy lejos de nosotros”
Partiendo de
que Moby Dick, de Herman Melville, es el Quijote de la literatura
estadounidense, según se comentó durante la presentación de esa muestra, en la
que estuvo presente la propia artista, Tsang ha llevado a cabo la videoinstalación ‘De ballenas’ (2022), una obra en la que la
artista estadounidense evoca un entorno oceánico psicodélico generado a partir
de tecnologías de realidad expandida.
Tras la
presentación, se pudo asistir a un pase de la video instalación “OF WHALES” (De
Ballenas).
Son imágenes
hipnóticas, oníricas, repetitivas, que terminan por conseguir que, a poco que
nos descuidemos, entremos en un ¿mundo? Abismal, porque Tsang reinterpreta el
“cosmos oceánico” a través del punto de vista del cachalote, que se puede
sumergir a unos 2.000 metros de profundidad, aguantando la respiración durante
más de una hora …
Pero hay que
salir a respirar, o nos quedaremos para siempre en el territorio de Moby Dick …
Encargada
por TBA21 y estrenada en la pasada edición de la Bienal de Venecia, la pieza
recoge la investigación de la creadora en torno a la novela clásica americana
Moby-Dick (1851). Para su exhibición en Madrid, Tsang ha adaptado ‘De ballenas’
a la arquitectura del espacio expositivo, convirtiéndola en una instalación
inmersiva. La exposición cuenta con la colaboración de la Fundación Ecolec.
De ballenas
está concebida desde la perspectiva de la ballena y la tripulación de marineros
que navega a bordo del Pequod y sitúa el relato de Melville en el contexto de
la historia marítima de mediados del siglo XIX, junto al nacimiento
transatlántico del capitalismo moderno y los conflictos sociales de la época.
Soledad
Gutiérrez, comisaria de la exposición, la describe como "una invitación
a experimentar una cosmología alternativa construida a partir de una de las
narraciones míticas de nuestro tiempo, y a vivirla a través de los ojos de la
ballena. Es una exploración sobre cómo una obra de arte puede habitar el
pensamiento crítico y cómo, a partir de esa experimentación, se puede
contribuir a la transformación de las instituciones culturales en espacios
abiertos”.
MOBY
DICK; or, The Whale
Coincidiendo
con la inauguración de la exposición, TBA21 presentará en España MOBY DICK; or,
The Whale, un largometraje mudo de 75 minutos de duración que adapta la novela
Moby-Dick. Escrito por la artista y cineasta catarí-estadounidense Sophia Al
Maria (1983), dirigido por Wu Tsang y producido por Moved by the Motion y
Schauspielhaus Zürich, teatro suizo donde se estrenó el 12 de marzo de 2022, el
vídeo sigue a la ballena blanca en su recorrido por el océano, describiendo una
cosmología visual que se resiste a la exploración y explotación de la tierra
bajo el colonialismo imperial.
La película
se proyecta en su versión teatral en dos sesiones únicas que han tenido lugar
en el Círculo de Bellas Artes de Madrid los días 20 y 21 de febrero, con música
en directo de la Orquesta Clásica Santa Cecilia. La versión cinematográfica de
esta pieza, producida por Schauspielhaus Zürich en colaboración con Zürcher
Kammerorchester (ZKO), podrá verse en el salón de actos del Museo Thyssen
durante los meses de apertura de la exposición.
"Me
sentí inusualmente libre al abordar Moby-Dick porque es un libro tan
omnipresente, que se ha adaptado e interpretado tantas veces, que no había
presión para ser original, lo que al final nos dio la oportunidad de jugar con
la narrativa y ser inventivos", explica Wu Tsang. La artista afirma: "Es una
historia muy conocida, pero también desconocida. El libro es muy jugoso y está
repleto de conflictos y reflexiones de su época, pero que también son
relevantes en el presente".
Esta pieza
audiovisual es un encargo de TBA21-Academy junto a LUMA Foundation, Superblue,
Hartwig Art Foundation, The Shed, DE SINGEL y The Whitney Museum of American
Art. Cuenta con música orquestal original compuesta por Caroline Shaw y Andrew
Yee con Asma Maroof y con vestuario diseñado por TELFAR, la firma del
estadounidense Telfar Clemens.
Sobre Wu
Tsang
Wu Tsang es
una cineasta y artista visual que ha recibido múltiples premios y
reconocimientos a su trabajo. Su obra abarca diversos géneros y disciplinas,
desde películas narrativas y documentales hasta performances en directo y
videoinstalaciones. Tsang es becaria MacArthur "Genius" y sus
proyectos se han presentado en museos, bienales y festivales de cine de todo el
mundo. Ha obtenido la Beca Guggenheim 2016 (cine/vídeo), la nominación al
Premio Hugo Boss 2018 y los premios Creative Capital, Rockefeller Foundation,
Louis Comfort Tiffany Foundation y Warhol Foundation. Tsang cursó la
licenciatura en Bellas Artes (2004) en el Instituto de Arte de Chicago (SAIC) y
el máster en Bellas Artes (2010) en la Universidad de California en Los Ángeles
(UCLA). Actualmente trabaja como residente en el Schauspielhaus Zürich, como
directora de teatro con el colectivo Moved by the Motion.
El pasado 19 de enero de 2023 se pudo ver en GARAJE LOLA ESPACIO CREATIVO el espectáculo
“La Voz Humana” de Jean Cocteau, con adaptación musical de Francis Poulenc,
protagonizada y dirigida por la artista internacional Nicola Beller Carbone, y
producida por Emiliano Suarez.
Nicola
Beller Carbone, interprete y por primera vez directora de escena, es una
soprano de larga trayectoria internacional, conocida por su capacidad de
combinar el aspecto teatral y musical en la caracterización de personajes
complejos como Salomé, Tosca o Pepita Jiménez.
En esta
versión de “La Voz Humana” con acompañamiento al piano del maestro Miquel
Ortega, y la presencia de la actriz Isabel Cámara, la protagonista Elle es una
artista a punto de salir al escenario, luchando por empoderarse, convirtiendo
el dolor y la angustia en expresión artística. Una propuesta de “teatro dentro
del teatro” en la que se mezcla la realidad con la imaginación.
Sinopsis:
“La Voz Humana” es un monólogo escrito por Jean Cocteau en 1930 para teatro y
compuesto por Francis Poulenc en 1958 como ópera para soprano. En el escenario
solo hay una mujer al teléfono, Elle. La obra representa la complicada ruptura
de una relación amorosa a través de una conversación telefónica que repetidas veces
viene interrumpida por interferencias. Una instantánea, en la que Elle, una
mujer al límite de sus fuerzas, implora a su amado para recuperarle, usando
artimañas, chantajes emocionales y mentiras.
En palabras de NICOLE:
La ópera que
escribió Poulenc en el 1958 se ha cantado más veces, normalmente para orquesta, pero hay una
versión de piano que es la que vamos a hacer aquí. Es una obra muy íntima, un
monólogo y es bastante fuerte porque muestra a una mujer con el estado anímico
al límite. En el original es una llamada terminal de ruptura de una relación,
en el que se supone que después ella se suicida, aunque no queda claro en el
texto.
He
preferido llevarlo a una llamada de teléfono repetitiva, por enésima vez, y a
una pareja que se aleja, que se vuelve a juntar, una pareja disfuncional, y
ella más que llegar al borde de los nervios y estar a punto de suicidarse, usa
la frustración, el dolor, la dependencia de una persona que amas, lo intenta
usar para convertirlo en algo creativo, porque es una actriz o cantante,
digamos que es una artista, en un camerino, porque mi propuesta sucede treinta
minutos antes de salir al escenario.
NICOLE BELLER
CARBONE: Nacida en
Alemania, NBC creció en España. Se distingue por un perfil particularmente
artístico, dando el mismo peso a la actuación y la música. Su experiencia como
bailarina, instrumentista y actriz enriquece la forma en que trabaja cómo
retratar sus figuras operísticas, convirtiéndola en una de las intérpretes
destacadas y auténticas en el escenario operístico moderno. (de su bio)
Hay
ocasiones que por sí solas son auténticos acontecimientos. Regalos absolutos.
Este es el caso de la obra que estos días se presenta en el Teatro de la Zarzuela: ‘La Dolores’. Estrenada en este mismo escenario
en 1895, no ha vuelto a subir al mismo desde el mes de junio de 1937
–representaciones aquellas en plena Guerra Civil– hace ahora más de 85 años. Y
no solo eso, sino que también ha llovido, y mucho, desde que sonó y se vio por
última vez en público, hace casi dos décadas, un montaje de la obra maestra de
Tomás Bretón de quien se cumple este año el centenario de su fallecimiento.
El intenso
dramatismo de su libreto y la genialidad de la partitura redondean una ecuación
casi perfecta en la que Guillermo García Calvo –director musical de la casa- se
ocupa de la dirección musical, y Amelia Ochandiano de la escénica.
Como es
habitual, el foso lo ocupa la Orquesta de la Comunidad de Madrid (Titular del Teatro), y el montaje
cuenta, asimismo, con otros grandes nombres en su equipo artístico. La
escenografía es de Ricardo Sánchez Cuerda, el vestuario de Jesús Ruiz, la
iluminación de Juan Gómez Cornejo y Miguel Ángel Berna, icono contemporáneo del
baile de la jota, tan importante en esta obra, es el responsable de la
coreografía que a lo largo de la obra va dibujando la esencia misma de los
sentidos, que son muchos y poderosos.
Son,
además, dos repartos los que cantarán la obra de Bretón, tan genial como
complicada. No es muy corriente que el público encuentre unos repartos de
primer orden y equilibrio absoluto como los que presenta el Teatro de la
Zarzuela en esta Dolores, y que están integrados por las sopranos Saioa
Hernández y Carmen Solís, los tenores Jorge de León y Javier Palacios, los
barítonos José Antonio López y Ángel Ódena, la mezzosoprano María Luisa
Corbacho, la soprano Milagros Martín, el bajo Rubén Amoretti, el bajo-barítono
Ihor Voievodin, los tenores Javier Tomé y Santiago Vidal, el barítono Gerardo
Bullón o el tenorJuan Noval Moro.
La función
del domingo 5 de febrero será grabada por Radio Clásica de RNE y emitida en
fechas próximas.
El gran
ejemplo de la lírica española
‘La Dolores’
es, sin duda, el gran ejemplo de la lírica española. Estrenada en el Teatro de
la Zarzuela hace más de 125 años, el camino del éxito de una ópera española
como esta fue lento, pero seguro. Primero conquistó al público y la crítica de
la Zarzuela en Madrid y luego triunfó en el Tívoli, en Barcelona, ciudad donde
quedó como obra de repertorio en diferentes escenarios. Eso sí, hay que tener
presente que solo un año antes el compositor se había hecho famoso en todo el
país como compositor de zarzuela con un sainete lírico: ‘La verbena de la
Paloma’.
Sin embargo,
en esta ocasión Tomás Bretón llevó al público a contemplar y a vivir una
historia de tema rural que ya había conquistado la escena española de la época:
‘La Dolores’ de Feliú y Codina; obra realista con unas muy fuertes dosis de
dramatismo, que proporcionó a Bretón –quien se encargó de dar también forma al
libreto– la oportunidad de pisar firme, cantando en castellano, los escenarios
de los templos líricos del país hasta entonces reductos de los modelos
europeos.
Además de la
famosísima Jota, Bretón compone un impresionante mural de personajes y
emociones, con nada menos que cinco cantantes masculinos, algo inaudito en el
repertorio, que luchan por el amor de la soprano protagonista. Es en la música
donde Bretón nos lleva de la mano por esta historia.
100 años
sin Bretón
Se da el
caso, además, de que en este año 2023 que ahora comienza se cumple el
centenario del fallecimiento de Tomás Bretón (Salamanca, 1850-Madrid, 1923), y
esta de ‘La Dolores’ es una magnífica ocasión para recordar y reivindicar el
talento operístico de este compositor y excelente director de orquesta, que
dirigió el Conservatorio de Madrid durante más de 20 años en pro de la
modernización de la enseñanza musical, y cuya obsesión de por vida fue
precisamente la de crear e instituir dentro y fuera de nuestras fronteras el
sello de una ópera pura e incontestablemente española.
"todos
tenemos una guerra como todos tenemos una mujer".
«Las guerras
de nuestros antepasados» es una novela en forma dialogada, en la que el recluso
Pacífico Pérez, condenado por homicidio, desvela al médico de la prisión su
vida y sus sentimientos.
Carmelo
Gómez y Miguel Hermoso reviven el famoso texto antibelicista de Miguel Delibes
en 'Las guerras de nuestros antepasados' dirigidos por Claudio Tolcachir.
El estreno
en Madrid tendrá lugar el 25 de enero y se mantendrá en cartel en el Teatro Bellas Artes hasta el 2 de abril.
La familia
Pérez es una de tantas familias que vivieron algunas de las muchas guerras
pasadas. El bisa, el abu y padre de cualquier casa de la España rural que
Delibes reconstruye en este texto antibelicista publicado en 1975 y adaptado,
en esta ocasión, por Eduardo Galán bajo la dirección del director Claudio
Tolcachir y protagonizado por una pareja de lujo: Carmelo Gómez y Miguel
Hermoso.
La guerra se
convierte en protagonista indiscutible ya que, como cita el protagonista en una
de sus primera intervenciones al inicio de la función: "todos
tenemos una guerra como todos tenemos una mujer". Y es que, al final,
la guerra es universal y comparte temas comunes a todas las guerras como: la
violencia, el surfimiento, la libertad, el perdón o la culpa.
Carmelo
Gómez interpreta a Pacífico, un personaje poliédrico, variable, cargado de
matices y, sobre todo, muchas contradicciones: bondad y maldad, pacifismo y
violencia, inocencia y astucia. Como su propio nombre indica odia la violencia
pero a la vez le posee.
A la escucha
del relato el Doctor Burgueño, interpretado por Miguel Hermoso, porque
"Las guerras de nuestros antepasados" son los relatos y cuentos de
ayer que explican en parte como somos a día de hoy.
Eduardo
Galán firma la adaptación y el resto del equipo artístico está compuesto por:
Juan Gómez Cornejo el diseño de iluminación. Mónica Borromello la escenografía,
Yaiza Pinillos el vestuario y Manu Solís el espacio sonoro.
El estreno
absoluto del montaje tuvo lugar el pasado 18 de noviembre en Avilés en el
Teatro Palacio Valdés y continuará su gira tras sus cinco semanas en cartel en
la capital.
